Художники Тинторетто - Что Такое, Смысл

 
 



Эль Греко
Тициан
Тинторетто
Рембрандт
Анри Матисс
Шарден
Джорджоне
Мазаччо
Ци Бай-ши
Эдгар Дега
Рафаэль
Виктор Васнецов
Хокусай

Художники Тинторетто - Что Такое, Смысл

Первыми полотнами для Якопо Комина стали стены красильни, и, увидев творения отпрыска, Робусти увел его на обучение к великому Тициану. Тинторетто выиграл конкурс, показав на нём готовую соблазнительную композицию.

Единственный источник, отражающий нрав Тинторетто и образ его жизни, – это биографическая книга Ридольфи. Сам Ридольфи не мог быть символом с Тинторетто хотя бы потому, что в момент смерти художника ему едва осуществилось два месяца от виду.

Известный специалист выразительной живописи, Тинторетто сделал несметное количество духовных и вымышленных картин, украсивших культовые, общественные и собственные помещения Венеции. Тинторетто воспользовался приемом собственного педагога, сделав замысел на контрасте обнаженного дамского туловища с облаченными фигурами в его обществе. Насыщенный венецианский колорит картины, сравнивание синих и багровых оттенков, динамизм, несчастная экспрессивность сцены и ее пластическая сила направили Тинторетто обширную славу среди художников его времени.

Творчество Тинторетто оканчивает развитие художественной культуры Восстановления в Италии. Доставленные суровой лёгкостью и психологизмом портреты Тинторетто частично предвосхитили искусство Рембрандта. Картины Тинторетто писал внушительные, представляя на них по несколько сот фигур. У Тинторетто передние фигуры картины трактованы материально (они оставляют тени знакомый на друга), херувимы располагаются в излучении золотистого света.

В мастерской он повесил написанный огромными буквами девиз: "Колорит – Тициана, форма – Микеланджело".

Тяга к напряжённым спорам, пластичной останки и порывистой динамике разновидностей и цвета сближает Тинторетто с Микеланджело. У кого необходимо было обучиться технике живописи будущему изумительному мастеру, история умалчивает, однако обучался Тинторетто хорошо: первая же его картина на заказ "Чудо Святого Марка" потребовала дикий скандал.

В картине Происхождение Млечного Пути (Лондон, Государственная выставка), созданной после 1570, он использовал космогоническую историю как мотив для изображения контраста прекрасной мягкой плоти и нелегких одежд.

Хокусай

Хокусай изображает разные явления жизни, лишь под влиянием таких задумок могла появиться данная партия.

Не зря многие свои собственные произведения Хокусай подписывал - "художник, безумный рисунком". Кацусика Хокусай прославился знаменитой картиной " Волна", которая обогнула весь мир. К. Хокусай обрисовал борьбу двух стихий - воды и неба. Их сила настолько неистощимая и бурлящая, что сам гость не сразу видит на картине нетяжелые небольшие самурайские лодки, которые скользят по воде.

Умер Кацусика Хокусай в 1849 в году.

Листы серии открывают перед посетителем всевозможную картину природы Японии: её стремнистые берега, о, которые разбиваются волны океана; поля, возлежащие у подножия Фудзи; её восхитительные горные деревни.

Личные самые лучшие виды Хокусай сотворил в 1820 - 1830 -х гг.

Сюнсё прославился портретами актеров театральные подмостки, и Хокусай после пары лет познания, следом за учителем, выпускает довольно удачную серию театральных портретов.

Пожалуй, Хокусай не только оценил запутанную сказку, однако испробовал на себе воздействие искусства запада, попадавшего в Японию подобными непостижимыми путями.

Соединив способы разных художественных школ, он добавил туда европейскую перспективу. Предположительно тогда же Хокусай получает замечательную известность благодаря "суримоно". Это небольшие изображения, совместные с текстом, часто поэтичным, нечто вроде лестных открыток. Популярность данных изображений Хокусая была настолько велика, что иные художники начали их подражать.

Человек не смотрится меньшим и незащищённым, его силу и способность препятствовать природе подчёркивают предметы - плоды его трудов: ладья в гравюре "Тамагава" отличается немыслимо внушительными размерами, доски валежного склада в листе "Пильщики" почти задевают неба.

Хокусай "питается" окружением, а общество кормит его дар. В промежуток Сюнро Хокусай много работает над изображением книг. В большинстве своем это востребованная дешевая продукция, так называемая "кибёси" (" книжки в жёлтых обложках"). Богатство сюжетов этих публикаций затребовало от художника изображать как бытовые сценки, посвящённые жизни городских жителей, так и выполнять рисунки из истории Японии и Китая. Кацусика Хокусай целую жизнь останавливал очаровательные мгновения данного всё время нынешнего из прежнего в дальнейшее мира. Как раз в 1796 живописец стал применять ставший впоследствии широко популярным псевдоним Хокусай. Про себя специалист произносил, что на все, что он живописал до старости, на деле не стоит обращать никакого внимания.

Шарден


Во французском искусстве Viii века Шарден был также одним из авторов реалистического портрета.

Интенсивным контрастом правящей аристократической линии развития искусства является искусство крупного мастера реализма 18 века Жана Батиста Симеона Шардена (1699 - 1779). Сын парижского ремесленника -столяра, он прошёл дрессировку у академических художников, все же моментально разодрал с их вариантом работы - по примерам других экспертов и по воображению. Этому приему он сопоставил работу с натуры и внимательное её исследование - принцип, которому он оставался верен в продолжении всей жизни.

В картинах Шардена нет резких переходов от света к тени. Живописец объединяет все единичным серо-серебристым цветом, сложными цветными рефлексами, "паутиной" валерных цветов. В 1750 -е- 1760 -е годы его живопись становится более чёткой, определённой, потому легкой и разом более чувствительной, максимально естественной и рациональной. Не случайно, что в крайнее десятилетие жизни живописец чаще обращался к портрету. Шарден Жан Батист Симеон (1699 - 1779) - французский художник.

Французский художник Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 году.

Шарден гордился своим членством в Королевской академии и серьезно относился к новым обязанностям. Он навещал все помесячные заседания академии, постоянно выставлял свои работы в Автосалоне.

В натюрмортах Шардена грамь между живой и неживой природой размыта, почти стерта.

Художник замечает в человеке до этого всего его, его сущность, но не место, которое он занимает в жизни. В 1770 г. Принимался Шарден путь в живописи с произведений жанра, и, уже известный профессионал, академик Шарден снова обращается к жанровым сценам. Шарден делается помощником в 1755г. Руссо Шарден далек назидательного морализаторства. Его дела мнения, неназойливы.

В 1742 году Шарден ответственно заболел.

В 1731 году Шарден женится – тоже очень счастливо.

Центральная тема Шардена - натюрморт. Мертвая натура обращалась под его кистью в жизненную одухотворенную ткань, натканную из тончайших живописных цветов и дермографизмов, опоясанную воздухом.

Шарден зачастую вносит в произведения подлинный подтекст либо намёк. Лёгкость и незамысловатость в жизни, отразившиеся и в творчестве Шардена, делали его одним из самых фундаментальных представителей французского реалистичного искусства.

Автопортрет Шардена, созданный за четыре года до смерти художника, представляет из себя одну из наиболее колоритных, поразительных бледных его работ.

Эль Греко


Многие отмечают черты портретного подобия Павла с самим Эль Греко. Возможно, это и так. Хотя в эмоциональной характеристике Петра также можно посмотреть близость автору, однако не во внешнем, а во внутреннем складе восприимчивой и тонко основанной души. Пожалуй, оба апостола очень личностно воспринимались живописцем. Вообще тема апостолов проходит через всю его жизнь, в последние годы он черканет целый апостольский цикл.

Рост искусства Эль Греко наступил в Испании, куда он направился в 1577 г. Не получив принятия при дворе в Мадриде, он размещается в Толедо, где в наиболее близкое время обретает заказ на здание главнейшего алтаря в монастыре Санто-доминго Эль Антигуо. Благодаря алтарным картинам "Троица", "Воскресение Христа" и др. Художник приобрел широкую известность.

Воплотившее страшный финал эры Воссоздания творчество Эль Греко, в, котором победило ирреальное, фантастическое начало, будто посеяно распоряжением времени.

За раму для "Эсполио", которую в 1582 году капитул выписал Эль Греко, профессионал обрел ощутимо гигантскую сумму, чем за саму картину. Картины он постоянно подписывал по-гречески собственным греческим именем, а называл себя Доменико Греко, на итальянский манер.

В своих картинах Эль Греко моет грани между земным и небесным, отыскивает неожиданные ракурсы и применяет чуть-чуть удлинённые пропорции фигур. Поменяв имя и фамилию на Эль Греко, парень устраивается на работу художником, где непреклонно оттачивает собственное искусство, заимствуя опыт своих коллег.

Приёмы четкости подчас доведены экспертом до крайности их осуществления, преимущественно в зрелищах, связанных с тематикой религиозного экстаза.

Заканчивая собой некоторый этап в истории испанского искусства, творчество Эль Греко разом обозначает собой оригинальный водораздел между двумя гигантскими образными периодами, когда в искусстве многих европейских стран в тяжелых и спорных поисках взамен ушедшим назад обычаям Воссоздания заходят первые провозвестия свежего художественного фрагмента - искусства 17 столетия. Центральным мотивом творчества Эль Греко постоянно остались духовные картины, исполненные для церквей, монастырей, госпиталей Толедо, Мадрида и прочих городов.

Картины Эль Греко, которые написаны почти исключительно на религиозные темы, не похожи на обычные произведения религиозного искусства.

Иероним Босх


Какой угодно человек, увидевший триптих Босха не позабудет его никогда: удивительные и оригинальные существа, яркие краски, удивительные предметы, обнажённые люди - тайны "Сада земных удовольствий" приманивают взор и волнуют интеллект.

Тема Страшного Суда становится ключевой в творчестве Босха.

В конце своей жизни Босх был настолько известен, что встречал заявки от аристократии и исправляющего бургундского двора. Гравюры с его картин были распространены в народе и пользовались известностью далеко вне пределов Нидерландов. Основным для Босха было содержание его творений, экспрессия, чувственная насыщенность. Босх создал необыкновенный мир ролей, где доминирует зло и страдание.

Большинство сюжетов картин Босха связано с фрагментами из жизни Христа либо безгрешных, противостоящих пороку, или черпаны в аллегориях и пословицах о человеческой жадности и глупости. Его техника называется "а ля прима".

Иероним Босх родился в Нидерландах в черте города Хертогенбосе ориентировочно в 1450 году. Его настоящее имя - Ерун Антонисон Ван Акен. Искусниками были дедушка Босха - Ян Ван Акен и четверо из его пяти сыновей, включая папу Иеронима, Антония.

Ци Бай Ши


Живой, прямой нрав деда выказал могучее воздействие на появление личности Ци Бай-ши. Художник упоминает, что нрав его отца был другим дедовскому. "Он был несмелым, правдивым человеком, лишенным внешней аффектации. Он выносил неверность и оскорбление молча, однако вместе с тем постоянно проглатывал рыдания".

Творчеству Ци Бай-ши свойственны поразительная цельность и целостность, непозволявшие ему осознанно разделять и подчеркивать какой-нибудь один живописный приём в урон иному.

Ци Бай-ши – один из знаменитейших современных китайских живописцев.

Большое значение для появления искусства художников существующего поколения имели такие мастера, как Ци Бай-ши и Сюй Бэй-хун. В 1919 году семья Ци Бай-ши перебирается в Пекин. В 1955 году Ци Бай-ши был наделен Международной премией Мира.




Пабло пикассо

Ян ван гойен

Марк шагал

Василий кандинский

Гюстав доре

Поль сезанн

Оноре домье