Художник: Мазаччо: Факты, Особенности

 
 



Эль Греко
Рембрандт
Рафаэль
Тинторетто
Ян Ван Эйк
Мурильо
Эдгар Дега
Джорджоне
Марк Шагал
Тициан
Эдвард Мунк
Шарден
Хокусай
Мазаччо
Гюстав Доре
Иван Шишкин
Микеланджело
Анри Матисс
Николай Рерих
Поль Гоген
Оноре Домье

Художник: Мазаччо: Факты, Особенности

Анной" была писана для церкви Сант Амброджо около 1424 года.

Известна одна картина, которую Мазаччо и Мазолино написали вместе - "Мадонна с младенцем и Св. Здесь Мазаччо уже умело применял трёхмерное пространство для появления регулярной архитектурной объёмности фигуры Мадонны. К первейшим его картинам относится картина церкви "Мадонна с ребенком и Святыми", "Мадонна с Малышом и Святой Анной". П.

Целый ряд исследователей считает натуральным только портрет из Музея Гарднер - определённые исследователи считают, что на нём показан молодой Леон Баттиста Альберти.

Мазаччо сделался в определённом смысле открывателем и в жанре, ставшего так популярным в эпоху Возрождения, знатного портрета.

Впервые в настенной живописи Мазаччо использовал полную перспективу. Живописец возвел композицию таким образом, что по мере удаления изображение уменьшается. Трактовка чуда у Мазаччо лишена ореола загадочности.

Мазаччо.

Пизанский складень – исключительное точно датированное творение художника; датировка всех иных его работ приблизительна. Но в этой картине Мазаччо отважно берётся за решение проблемы пространственной глубины и композиции, моделировки туловища человека.

В типе ребёнка Христа в ранних трудах Мазаччо изыскатели его искусства видят самого 1-го представителя "новой человеческой расы" эпохи Возрождения. Ученые считают, что инновации Мазаччо влияли на творчество Мазолино, который, за рамками сомнения, принадлежал к самым большим специалистам первой половины 15 века. По одному ослепительному мнению, в работе показан "небольшой Геракл", этим пролеживается связь творчества Мазаччо с древними образцами.

Существенная фреска Мазаччо сочетает три фрагмента легенды: в центре несколько ошеломленный монтажер подати обращается к стоящим внушительным полумесяцем апостолам; слева, на втором проекте Петр потрошит уже пойманную рыбу, справа он же величаво и несколько яростно предоставляет монету сборщику. Его сохранившиеся 11 частей удалось распознать в разнообразных музеях и в личных коллекциях.

В 1422 году Бранкаччи делал заказ росписи часовни популярному мастеру того времени Мазолино да Паникале и пока еще не всем популярному молодому юноше Мазаччо. Тема для фресок, а именно первобытный грех и проповедь непорочного Петра, была обозначена самим Бранкаччи. Выбор художников очутился так прекрасным, что имя Бранкаччи насовсем увязли с высшими приобретениями в искусстве Италии. Мазолино и Мазаччо ударили к деятельности, расклеив друг с другом разные отрывки из жизни святого Петра. Зато уже вскоре сделалось очевидно, что образы Мазаччо и Мазолино диаметрально разнообразные. Мазолино сделался первым художником, который мог при поддержке прямолинейной и лёгкой перспективы создать уникальное реальное пространство и вместить в нем сильные фигуры героев. Дополнительно у него получилось связать продвижения и позы, размах и цвет личностей с архитектурным ореолом. Весомость фигур Мазаччо выдал ощутить тем, что в первый раз правильно поставил людскую персону с опорой всей ступней на землю, в верном ракурсе. Часть подписей часовни Бранкаччи была им исполнена в 1526 - 1527 годах. В этом месте сформировался гордый соблазнительный стиль живописи Ренессанса, пронизанный большими гуманистичными идеями.

Решительность и мужественность, которые наблюдаются в манере письма Мазаччо, с неповторимой силой демонстрируют его росписи.

Реально, в своих первых созданиях Мазаччо абсолютно противоположен Мазолино. В 1428 году Мазаччо был приглашен в Рим, где в скором времени он исчез.

Светотень служит у Мазаччо двум целям. Палач Иоанна показан со спины, он надежно основывается ступнями (данная постановка ног точно перекрикивается с ногами монтажера налогов в сцене "Чудо со статиром" из часовни Бранкаччи) – именно за это умение правильно передать постановку ног (чего никто до него не умел) джорджо Вазари восхвалял Мазаччо. Учителями Мазаччо в его ранний период были не художники поздней готики (несмотря на то что многие самые элегантные мастера "межгосударственной готики" - Старнина или великий Джентиле да Фабриано - работали именно во Флоренции между 1422 и 1426), а два крупных представителя тосканского Ренессанса в архитектуре и скульптуре - Брунеллески и Донателло.

Обособленные ветви искусства помогали одна иной, и вместе всасывали в себя мысли, которыми проживало общество.

Картина была атрибутирована Мазаччо в XVII веке (об этом есть надпись на на боках части). Мазаччо - великий художник Италии 15 века. Центральная панель Пизанского полиптиха ясно показывает, что Мазаччо как бы озаряет объект регулярным источником света, это предоставляет возможность художнику выполнять объемные изображения. Алтарный образ, написанный Мазаччо, совмещает компоненты средневековой правительственной живописи и свои новаторские идеи художника.

Создание Мазаччо замечательно во всех отношениях. В работе над Троицей Мазаччо впервые использовал картоны - подготовительные рисунки, посредством сетки квадратов перетащенные на стены. Такой этап работы над замечательным произведением получил широкое распространение в эпоху Восстановления.

Сбереглись документы, соответственно, которым мать Мазаччо убирала жилое помещение в участке Сан Никколо. Творчество автора завершил этап готический, и переметнулось к такому искусству, где прославлялась человеческая суть.

Эдвард Мунк


Эдвард Мунк - норвежский художник. К осени 1908 года паранойя и иллюзии на немало месяцев загоняют Мунка в психиатрическую лечебницу доктора Якобсона, но живописец продолжает созидать и там.

Мунк вырос в очень религиозной семье.

В 1899 году возник продолжительный бурный роман Мунка с Таллой Ларсен. Доказывая необходимость работать циклами и сериями, Мунк утверждал, что, будучи организованными в серии, его картины делаются идентичны симфонии.

Перед гибелью, Мунк отписал собственную огромную коллекцию картин, биографических и литературных публикаций столице Норвегии. В дальнейшем, созданный в 1963 г. Музей Мунка, поместил в себя уникальную коллекцию картин и прочих материалов, отражающих различные периоды творчества востребованного норвежца.

Норвежский живописец Эдвард Мунк - действие столь же броское и своеобразное.

Тинторетто


Доменико и Мариетта продлили дело Тинторетто и стали художниками. В 1574 году отличная Тинторетто получает первый национальный заказ – четыре картины для украшения Зала Большого Совета во Дворце Дожей (Палаццо Дукале).

Перспективно изображенные, розовые и лазурные плитки мраморного пола уводят глаз посетителя в глубину настолько, что производится мечта его "входа" в картину.

В 1539 году Тинторетто возглавил собственную чудесную.

Автор ряда батальных произведений, Тинторетто практически стал учредителем исторической живописи в европейском искусстве.

Тинторетто пользовался приемом собственного педагога, создав замысел на контрасте голого дамского туловища с одетыми фигурами в его обществе. Сочный венецианский колорит картины, соотнесение голубых и алых тонов, динамизм, трагическая раздражительность сцены и ее пластическая сила направили Тинторетто обширную славу среди художников его времени. Преждевременная смерть возлюбленной дочери так сотрясла художника, что он предоставил зарок тишины. Вместе со своей громадной семьей Тинторетто занимал скромное жилище близ церкви Санта-мария дель Орто (Венеция), которую он сам расписал и где впоследствии был похоронен. Потребителями мастера часто были религиозные и филантропические братства.

Тинторетто зовет на свое полотно огромную венецианскую массу, где можно увидеть гостей из различных стран, представителей разнообразных сословий.

Отмеченные суровой простотой и психологизмом портреты Тинторетто отчасти опередили искусство Рембрандта.

Безграничная композиция, которая заполнена игрой света и тени, охватывает неограниченное пространство небес, в, котором кругом Христа и Богородицы разместились на облаках священные и проповедники; это самая заметная картина в мире - ее ширина добивается двадцати двух, а высота - 7-ми метров.

Тяга к чувственным спорам, пластической мощи и страстной динамике форм и тона сближает Тинторетто с Микеланджело.

Тинторетто не психологичен, характер чуть-чуть привлекает его, т. е. к нрав - только недолгая и неожиданная особенность единого человеческого духа.

Биографы (Джорджо Вазари, Боргини, Ридольфи) произносят о застенчивом обиходе Тинторетто, столь не похожем на громкий и пышный образ жизни его старшего современника Тициана либо его друга Веронезе.

Предгрозовым, вечерним настроением пронизана эта картина, оживленная лишь интенсивными и яркими пунцовыми одеждами Марии и Иосифа. Каким мечтательным духом овеяна глубокая лесная глушь, где под сенью раздвоенного и как бы молящегося за неё дерева, восседает небольшая, озаренная каким-то внутренним светом, одинокая среди мощных стволов из древесины фигура "Читающей Марии Магдалины".

Хокусай


Кацусика Хокусай внимательно всматривался в окружающий мир, и это добавляло его гравюрам множество точных составляющих.

Кацусика Хокусай – классик живописи мира. Погиб Кацусика Хокусай в 1849 в году.

Тридцать шесть типов Фудзияма - партия из 46 (36 10 дополнительных) цветных гравюр по дереву японского художника Кацусики Хокусая. На всех гравюрах, включая самую известную японскую печать Гигантская волна в Канагава, присутствует изображение священной горы Японии - Фудзи. Сияющее мастерство рисовальщика, воплотившееся в "Манга", ставит его на одном уровне с знаменитейшими художниками всемирного художественного искусства.

Взгляд на мир Хокусая естественным образом отзывался существенному принципу дальневосточной философии: все подлиннее рождается в итоге взаимодействия двух противоположных сил космического порядка Ян и инь.

Букинистическая графика Хокусая представляет единичное направление в его пути творчества.

Обнаруживая гору Фудзияма - символ нации Японии - из разнообразных участков, Хокусай в первый раз раскрывает образ родины и образ народа в их единстве.

Живописец увидал жизнь как единый процесс во всем множестве ее высказываний, начиная от простых чувств человека, его каждодневной деятельности и завершая окружающей природой с ее стихиями и привлекательностью.

В начале XIX столетия авторитет Хокусая был уже очень велик. Применение псевдонимов у японских живописцев того времени было обычным делом, однако Хокусай переплюнул их всех по количеству имен, которых у него насчитывается чуть-чуть десятков.

Кацусика Хокусай – классик живописи мира. Стойкий заработок дал Хокусаю возможность путешествовать. В 1804 году он проехал по большаку Токайдо, соединявшему две столицы - Эдо и Киото. Итогом этой поездки сделалось появление партии гравюр "53 станции дороги Токайдо".

Вкусы толпы чуть-чуть заботили художника, он не хотел рисовать стандартные им работы в жанре укиё-э, он искал собственный стиль.

Культурный шок стартовал самым незамысловатым образом, когда в 1856 году в ящике был найден знаменитый альбом Хокусай - его рисунками были переложены присланные из Японии глиняные изделия. Работы намечены очевидным влиянием Сюнсё, однако к этому времени известность Хокусая в жанре якуся-э уже сравнима с известностью его преподаватели.

Хокусай в своём печатном издании вроде бы подытоживает долгой опыт предместников, улавливая его как живое дело.

Хокусай "питается" окружением, а окружение кормит его дар.

Кацусика Хокусай целую жизнь задерживал очаровательные мгновенья этого стабильно нынешнего из прошедшего в последующее мира.

Клод Моне


Клод Моне черпал вдохновение в водном саду на протяжении 20 лет. Картины Моне делались необыкновенным образом – художник, намереваясь запечатлеть ландшафт во всём мелких деталях, тонах, переменах, предпринимал под открытым небом.

Растратив средства для наличия, Клод Моне утерял возможность не только рисовать, однако и питаться хорошо. Но он не озлобился на недопонимание и завещал свои собственные заключительные картины государству. Теперь мир по достоинству оценил творчество Клода Моне.

Не раздумывая, Клод Моне отправился домой, доставил станок и принялся за образование картины.

Живя некое время в Голландии, живописец выносит на полотна разновидности города, один из них – "Заандам".

Сад в Живерни – отдельное произведение Клода Моне, не менее знаменитое, чем его картины. Всякое раскрывает свой мазок, вплетается в совместное звучание. Он появился на свет гением – первое удача. Художник, увидевший мир, а то, ловильщик света и солнечных бликов, рефлектор ощущений и мимолетной красоты.

В 16 лет, по стечению ситуаций, управляющим отроки стал французский художник Эжен Буден (считающийся искусствоведами вестником импрессионизма), который предоставил Клоду первые опыты работы на пленэре и заложил оригинальное восприятие в живописи.

Клод Моне рисует в своем саду, в бору и в одном из излюбленнейших мест досуга у столичных жителей, т. е. н. "Лягушатнике". На примере работ "Руанский Собор" Клод Моне устанавливает под вопрос понятие тона, тем самым бросая призыв своему времени. Клод Моне знаменит как непревзойденный пейзажист. В творчестве Клода Моне господствует изображение природы во всех ее выражениях. Клод Моне очень по своему подходил к изображению природы и натуры человека.




Сандро боттичелли

Оноре домье

Поль гоген

Шарден

Тициан