Художник - Шарден - Полезная Информация, Основы

 
 



Мурильо
Тициан
Эль Греко
Рафаэль
Эдуард Мане
Марк Шагал
Пабло Пикассо
Рембрандт
Ян Ван Гойен
Шарден
Мазаччо
Виктор Васнецов
Анри Матисс
Тинторетто
Джорджоне

Художник - Шарден - Полезная Информация, Основы

Государыня Екатерина II заказала Шардену осуществить десюдепорт (наддверное живописное панно) для зала Академии художеств в -петербурге.

Сделанные в технике картины, эти произведения столь правдивы и обогреты честностью и задушевностью, что они домом стоят среди произведений этого же разряда, задачей, которого в XVIII веке считалось возвышение вида портретируемого.

Художник третьего сословия Шарден все время шел в своих твореньях от подлинного жизненного предлога. Изображаемому он придавал важность, водя ровный рассказ о ежедневном происшествии, о предметах, соединенных с окружением человека, стремился показать внутреннее достоинство моделей. Это соответствовало этическим воззрениям художника, твердого в своих видениях на жизнь.

К 1740 году популярность Шардена уже начинает походить на славу.

Родители дружелюбно относились к его первым успехам в рисовании, а потом передали отпрыска для познания живописи в мастерскую Пьера Жака Каза.

Французский живописец Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 году.

Собственным искусством художник принял его во французском искусстве как свободный вид живописи. Чаще всего комплект вещей в натюрмортах Шардена незначителен, но живописец глубоко продумывает их совмещение и расположение, тонко выявляет их связь с человеком, который ими пользуется. "Натюрморт с символами искусства" в какой-нибудь мере "автобиографичен": на длинном столе нарисованы вещи. Которые связаны с трудом художника. Это гипсовый слепок с головы Бога Меркурия, чуть-чуть книг, свитки листов с гравюрами, инструмент, транспортир. Их расположение вольно и просто, однако в нём есть суровая зависимость и гармония.

В 1770 г. Жaнровая живопись Шардена оказала гигантское влияние на почти всех французских живописцев.

Успех наступил к Шардену стремительно. Орденский крест, монеты и награды - это награды, которых художник удостоился в итоге своего искусства.

С 1737 года Шарден делается беспрерывным участником салонов В Париже. Два варианта "A Young Student Drawing" - сюжет, к, которому Шарден возвращался много раз. Дочь Шардена скончалась в младенчестве; почти в одно и то же время с ней умерла и Маргарита. В 1731 году Шарден женится – тоже очень хорошо.

В собственном искусстве Шарден всё время обращается к натюрморту. На его натюрмортах совсем немного предметов, расставленных досконально и продуманно: несколько сосудов, несколько плодов, кухонная утварь, тихая пища обыкновенного человека (" Серебряная супница", "Медный бак", "Натюрморт с фазаном и охотничьей сумкой", "Стакан с водой и жбан", "Трубки и кувшин", "Натюрморт с бриошью", "Серебряный кубок").

Шарден связан с эпохой рококо лишь формально, временем своего искусства.

Героиня небольшой картины Шардена "Прачка" - добропорядочная и стеснительная женщина, внимательная хозяйка и мать.

Рафаэль


Рафаэль Санти слывет живописцем "небесной дамской красоты", умевший с исключительной точностью украшать в поэтические формы образы своего времени. Рафаэль Санти самый светлый и веселый художник эпохи Возобновления. Все его творчество говорит о том, что человек обязан быть чудесен, иметь прекрасное и мощное тело, развитый ум, добродушную и приветливую душу. Именно таких прекрасных во всём людей изображал Рафаэль на своих картинах. Потому как именно таким человеком оказывался он сам.

Семья Рафаэля не умела хвастаться древностью рода - его предки появлялись из маленького города Кольбордоло вблизи Урбино и были маленькими членами рынка.

Мадонна Грандука (ок. 1505, Флоренция, выставка Питти) ещё близка по стилю живописи Перуджино, однако отличается от неё композицией и более мягкой теневой моделировкой.

В Риме Рафаэль добился совершенства как живописец и приобрёл возможность воплотить своё дарование архитектора: с 1514 г. Он руководил возведением собора Святого Петра.

Умение непринуждённо расположить фигуры в пространстве, связать их друг с другом и с окружением выражается и в композиции "Обручение Марии" (1504, Милан, галерея Брера). В 1513 - 1514 годах, временно забросив работу над многочисленными заказами, Рафаэль создаёт для церкви монастыря священного Сикста в городке Пьяченце одно из лучших произведений - "Сикстинскую мадонну". Это был итог его работы над образом Богородицы - шедевр, в, котором мастер наиболее полно сформулировал собственный идеал. Она служила намогильным образом, на, котором как правило показана Божья матерь, вроде бы являющаяся покойному. Добр и великолепен ее образ.

Хокусай


Скончался Кацусика Хокусай в 1849 в году.

В "Тридцати шести типах Фудзи" Хокусай был предан ветхому приёму иерархии явлений, так называемому закону "тэнтидзин" (" небо, земля и человек"). Этот принцип составляет базу всех его сочетаний.

Долго Хокусай изготовлял собственный стиль, в связи с этим его картины заметно различаются от творчества коллег.

Продолжительное время Хокусай зарабатывал на жизнь иллюстрациями доступных романов и альбомов.

Работая на маленьком пространстве открытки-суримоно, Хокусай добивался верности композиции, соотношений цветов, привлекательности определенных простых вещей и их комбинаций. Смолоду Хокусай занимается книжной схемой, проиллюстрирует более 500 томов разнообразных книг.

Свои самые лучшие пейзажи Хокусай создал в 1820 - 1830 -х гг. Гравюры, основанные Кацусикой в последний период, считаются высотой его творчества.

С начала XIX века известность приобрели ёмихон (книги для чтения написанные утонченным писательским стилем), и Хокусай продолжал собственную деятельность иллюстратора, делая насыщенные, художественно-образные и увлекательные картинки, которые иногда были заметно интересней текста. Кацусика Хокусай покинул после себя множество работи изменил более чем 50 псевдонимов, всякий из, которых был маленькой вехой на его длинном пути.

За всю свою длинную жизнь Хокусай заменил множество имен, практически все из, которых были лишь подписями на его твореньях. Работа и учеба Хокусая в мастерской были показаны её создателем. Новаторство Хокусая не только в том, что он освоил отдельные способы европейского искусства, ставшие знаменитыми в Японии. Его художественное открытие - в новейшем взгляде на мир и место в нем человека со всей областью его чувств и его творческой работой. Постоянный доход предоставил Хокусаю возможность странствовать.

Вкусы публики несколько заботили художника, он не хотел рисовать стандартные им работы в жанре укиё-э, он искал собственный стиль.

Работы показаны безусловным влиянием Сюнсё, однако к данному времени популярность Хокусая в жанре якуся-э уже соизмерима с известностью его преподаватели. Человек не смотрится жалким и незащищенным, его силу и способность противостоять природе подчёркивают предметы - плоды его трудов: лодка в гравюре "Тамагава" отличается невероятно важными масштабами, доски дровяного склада в листе "Пильщики" почти трогают неба.

Хокусай погиб в возрасте 89 лет. Он смог проникнуть в самую суть искусства. Хокусаю дозволено выступить с свободными службами, и первым его опытом в 1784 - 1785 годах становятся гравюры в жанре якуся-э (один из видов сценической гравюры).

Леонардо Да Винчи


О матери Леонардо практически ничего не известно: в его биографиях чаще всего отмечается определенная "юная сельчанка" Катерина.

Леонардо рискнул писать особу собственного ангела и пейзаж недавно открытыми масляными красками.

В числе увлечений Леонардо да Винчи были кулинария и искусство сервировки.

Людовик Сфорца имел репутацию диктатора, и в Италии его не любили, хотя и считались с ним.), за свою жизнь имел 4-х супруг и был отцом десяти сыновей и двух дочерей (последний ребенок родился, когда ему было 75 лет).

Шестидесятичетырехлетний Леонардо старался не запускать свои занятия живописью, хотя о значительных работах не могло быть и речи. Для Леонардо искусство всегда было наукой. Леонардо избегал всего недвижимого и застывшего. Леонардо первый раз выражает отважные задумки о естественной среде волны света.

В течение десяти лет Леонардо работает над заказом. В эти годы расцвел дар Леонардо-живописца.

Мазаччо


Одна из сохранившихся ранних общих картин Мазаччо и Мазолино - "Мадонна с ребёнком и Св. В ранний период творчества он делал ряд алтарных типов ч. Композицию "Мадонна с Ребенком и святыми" для маленькой церкви Сан-джовенале в Касади Реджеллои полиптих "Мадонна с Ребенком и ангелами" (1426) для церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе.

Представление построено строго по законам перспективы Джотто. В "Мадонне с ребенком и ангелами" декоративные элементы отошли на задний проект. Когда прочие живописцы поняли и оценили возможности перспективы, они начали умышленно включать в композицию элементы, которые делают легче создание пространства, - ушедшие вдаль колонны, покрытый клетчатыми плитками пол и т.

Мазаччо стал в конкретном толке открывателем и в жанре, который стал так популярным в эпоху Восстановления, мирского портрета.

Интерпретация чуда у Мазаччо лишена ореола загадочности. "Изгнание из рая" Мазаччо. На картине (разм. 230х598см) показано чудо, сотворённое Петром когда он благодаря апостолу Павлу был освобождён из темницы.

Позу горько ревущей Евы Мазаччо однозначно позаимствовал у статуи символизирующей Воздержание, выполненной Джованни Пизано для кафедры пизанского монастыря.

Но уже в этой картине Мазаччо уверенно берется за решение трудности пространственной глубины и композиции, проработки тела человека. Мазаччо больше других стремился рисовать и обнаженные тела. Следы действия старших приятелей можно видеть в самой ранней из востребованных работ Мазаччо. В виде ребёнка Христа в ранних работах Мазаччо специалисты его искусства наблюдают первого представителя "новой человеческой расы" эпохи Воссоздания. Все попытки поделить руку Мазаччо от руки Мазолино в этих фресках не выходят за рамки утверждений. По одному колоритному соображению, в работе представлен "небольшой Геракл", этим пролеживается связь творчества Мазаччо с древними образцами.

Немалая картина Мазаччо совмещает три факта легенды: в центре несколько смущенный монтажер подати обращается к стоящим величавым полумесяцем апостолам; в левой части, на втором плане Петр потрошит уже пойманную рыбу, с правой стороны он же царственно и несколько злобно вручает монету монтажеру. Пизанский полиптих был поделен на части и данные отдельные произведения разлезлись по всему миру, а в конце 19 в.

Мазаччо выстроил фигуры персонажей вдоль горизонтальной линии, но группа апостолов в центре создаёт открытый полумесяц. Постепенно и Мазаччо привязался к Тедеско, подразделялся с ним своими проектами и демонстрировал ему свои собственные рисунки. Картине присуща и декоративная красота, которая характерна Мазолино, и старание передать физическую массу и пространство, специфическое для Мазаччо.

Много раз изготавливали попытки реформировать эту работу Мазаччо, однако скудость сохранившихся сведений дает возможность лишь возводить рассуждения о её начальном виде. Действительно, в своих первых твореньях Мазаччо совершенно различен Мазолино. В 1428 году Мазаччо был приглашен в Рим, где вскоре он пропал. На зрелищах пределлы Мазаччо не использовал золотые дворяне. Экспертами не один раз встречалась роль пределлы в развитии ренессансной картины в целом: горизонтально растянутый формат роднил ее с древним рельефом; помимо того, именно в картинах пределлы художники получали крупную самостоятельность, отнекиваясь от золотых Фонов.

Самая заметная композиция Мазаччо "Чудо со статиром" располагается в верхнем регистре левой стороны капеллы. Становление Мазаччо как художника шло в обстановке могучего общественного и культурного подъема во Флоренции, широкого распространения гуманистических мыслей, формирования ренессансных художественных принципов в архитектуре и статуе.

Одна из самых интересных черт художественного развития Мазаччо заключается в том, что оно было совершенно вольно от влияния антиков.

Центральная панель Пизанского полиптиха отчетливо выражает, что Мазаччо вроде бы освещает объект регулярным источником света, это разрешает дизайнеру создавать объемные изображения.

В самом деле, Мазаччо поочередно развил все, что было инстинктивно предугадано востребованным Джотто. Воодушевленный античностью, он, как Джотто, сосредоточил собственный ищущий взор к природе, сделался учиться у неё, сообщать ей.

У предков Мазаччо ландшафт как правило был относителен, отмечался крутыми горками и деревьями с подобными, похожими на зонты или шаровидными кронами.

По возвращении из Пизы Мазаччо делал во Флоренции картину на дереве с двумя словно бы живыми голыми фигурами, женской и мужской. Сбереглись документы, согласно, которым мать Мазаччо смещала жилое помещение в районе Сан Никколо. Искусство автора окончил этап готический, и перешло к такому искусству, где прославлялась человеческая сущность.

В живописи Мазаччо изумляет естественность и широкое дыхание осеннего ландшафта с уходящими в глубину плавно ограниченными, несколько размытыми Марой серыми громадами гор, стряхнувшими листья деревьями, коричневой землей. Но уже в данных композициях выражается мощь художественного темперамента Мазаччо, удивляет неординарность его ответов.

Вершиной творчества Мазаччо были картины в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармне (1427 - 1428), выполненные вместе с Мазолино.

Эль Греко


В XIX веке монастырь Сан-торквато, где находился замечательный пурпурный гроб с прахом Эль Греко, был уничтожен, и останки знаменитого живописца вместе с могилой оказались утеряны. Пик творчества Эль Греко настал в Испании, куда он отправился в 1577 г. Не получив признания при дворе в Мадриде, он поселяется в Толедо, где в самое близкое время приобретает заказ на сооружение главнейшего алтаря в монастыре Санто-доминго буква Антигуо. Благодаря алтарным картинам "Троица", "Воскресение Христа" и др. Художник получил широкую популярность.

Осуществлявшее драматический финал эпохи Возобновления искусство Эль Греко, где возобладало воображаемое, фантастическое начало, будто бы посеяно распоряжением времени.

Трагическое сознание мира, чувство обреченности и гибели составляет собственного рода лейтмотив позднейшего творчества Эль Греко. Картина "Эсполио" (Срывание одежд с Христа,1577 - 1579), предназначавшаяся для сакристии толедского монастыря, изображает тот момент, когда перед казнью Христа палачи срывают с него одежду. Свои работы живописец всё время подписывал по-гречески данным ему при рождении именем и зачастую прибавлял "критянин".

Город, где обосновался Эль Греко, – Толедо. Там он и задержался до конца своих дней. Между типами святых Эль Греко и его портретами не все время существовала резкая важнейшая сторона. Он насытил портретное искусство Испании большим эмоциональным богатством. Эль Греко обожал отпрыска, часто писал его.

Для работ Эль Греко характерны быстрота и вспыльчивость выполнения, которые приближают их к современной живописи. Картины Эль Греко - это взгляд чужестранца на эпоху запоздалого Восстановления.

Картины Эль Греко, которые написаны практически исключительно на религиозные темы, не похожи на обычные произведения духовного искусства.

Джорджоне


В 1508 году, по свидетельству Дольче, Тициан и Джорджоне разрисовывают фасад Фондако деи Тедески в Венеции.

Изумительное обаяние картин Джорджоне состоит как раз в том, что как бы появляется вокруг сюжета и на чем Джорджоне устанавливает главный акцент, - в том настроении, которым обвеяна сцена, в богатстве чувственных оттенков. Ввиду этого сообщалось даже, что картины Джорджоне - только чистые замечательные видения без отдельного сюжета (и в данной свободе фантазии усматривалось некоторыми профессионалами достоинство Джорджоне и даже его родственность современным живописцам). с данным утверждением нельзя согласиться, но конечно что Джорджоне был одним из тех живописцев, которые делали картину в нынешнем её понимании.

Неполных десяти лет от типу он оставил отчизну, чтоб добраться до Венеции и изучить искусство живописи.

Лёгонькая светотень смягчает формы человеческих тел, гармонично сочетая их с пейзажем. Избегая прямого контакта посетителей со своими героями, художник этим самым вынуждал их окунуться в мир тонких, едва уловимых чувств.

Успокоение Юдифи сблизь идиллии оцепляющего ее ландшафта с цветущими левами, ширью равнин и гребнями бирюзовых гор.

Нет и картин, подмахнутых им. Работ, чьим автором признаётся Джорджоне, меньше десятка. Его авторство определяется на базе сочинения Маркантонио Микиеля, который в XVI в. Сформировал перечень картин, хранившихся в коллекциях венецианских патрициев.

Микиели достаточно полно нарисовал некоторые картины Джорджоне. Так их получалось узнали в различных коллекциях. 20 век дал варианты сравнений, стилисичний анализ, химические и аппаратные методы изучений.

Контраст между "Справедливостью" Тициана и фрагментом фрески "Обнаженной" Джорджоне наглядно демонстрирует это отличие.

В живописи Джорджоне картина становится средством выражения мыслей и чувств ее учредителя.




Эдгар дега

Ян ван эйк

Марк шагал

Поль гоген

Сандро боттичелли

Илья репин