Шарден - Смысл

 
 



Рафаэль
Эдуард Мане
Тициан
Джорджоне
Эль Греко
Рембрандт
Мазаччо
Хокусай
Марк Шагал
Ян Ван Эйк
Леонардо Да Винчи
Го Си
Перуджино
Ци Бай-ши
Клод Моне
Эдгар Дега
Микеланджело
Мурильо
Шарден
Василий Кандинский
Тинторетто
Сандро Боттичелли
Николай Ге

Шарден - Смысл

Подсобляя последнему совершать аксессуары в его картинах, получил особое искусство изображать мертвые предметы всевозможного вида и надумал посвятить себя исключительно их воссозданью.

Живописец третьего звания Шарден всегда двигался в своих созданиях от настоящего актуального напева. Изображаемому он придавал значимость, ведя неторопливый рассказ о ежедневном мероприятии, о предметах, связанных с окружением человека, стремился показать внутреннее преимущество моделей. Это соответствовало духовным представлениям художника, уверенного в своих видениях на жизнь.

К 1740 году известность Шардена уже начинает походить на славу.

С конца 17 века распространялась чисто декоративная приятная живопись, появился интерес к колориту, в нем заметно влияние венецианцев, Рубенсаи нидерландских специалистов.

В зрелищах Шардена нет резких переходов от света к тени.

Картины Жана Батиста Симеона Шардена отличаются глубоко поэтичной передачей действительности и гармонично сочетают в себе бытовой жанр и натюрморт. Французский живописец Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 году. Как стилистический художник Шарден подчёркнуто, легок, интимен. Шарден гордился своим членством в Королевской академии и основательно относился к новым обязанностям.

Живописец видит в человеке прежде всего его самого, его сущность, но не место, которое он занимает в жизни. Б. Шарден родился и целую жизнь провел в Париже.

Путь творчества Шардена знаменит достаточно полно.

Поздние портреты Шардена ознаменовали новый этап в его искусстве. В 1742 году Шарден ответственно заболел.

Два варианта "A Young Student Drawing" - сюжет, к, которому Шарден приходил довольно много раз. Дочь Шардена помирает в младенчестве, затем гибнет и жена художника. Его смерть становится самой главной трагедией в жизни мастера. В 1731 году Шарден женится – тоже очень счастливо.

В своём искусстве Шарден все время обращается к натюрморту.

Шарден обращается к камерным видам портретного решения, что явилось новым в искусстве этого жанра. Шарден часто кладет в произведения нравственный подтекст либо намёк. Героиня малой картины Шардена "Прачка" - добросовестная и скромная женщина, внимательная хозяйка и мать. Допропорядочность и усердие прославлены Шарденом без дидактики и морализирования, без патетики и эффектов, с этими самыми "гранью и порядком", которые он провозглашает как жизненный образец.

Хокусай

Хокусай изображает различные явления жизни, преимущественно под влиянием таких задумок могла появиться данная серия.

Кацусика Хокусай детально вглядывался в окружающий мир, и это добавляло его гравюрам обилие верных деталей.

Кацусика Хокусай (1760 – 1849) - один из самых больших японских живописцев - забыл потомкам несколько тысяч оригинальных по глубине содержания и совершенству выполнения гравюр.

Хокусай родился в 1760 г. В Эдо (старое наименование Токио). Он построил около 30 тысяч рисунков и гравюр.

Сияющее мастерство рисовальщика, воплотившееся в "Манга", устанавливает его на одном уровне с самыми известными рисовальщиками всемирного художественного искусства.

Взор на мир Хокусая природным образом отвечал реальному принципу дальневосточной философии: все настоящее рождается в результате отношения двух обратных сил космического порядка Ян и инь.

В "Манга" Хокусай разместил множество ландшафтов, стилистических эпизодов, описаний растений и птах. Демонстрируя гору Фудзияма - символ народности Японии - из различных участков, Хокусай первый раз указывает образ родины и образ народа в их единении.

Гравюры, сделанные Кацусикой в последний срок, считаются высотой его искусства. Хокусай узрел жизнь как единый процесс, где все взаимосвязано - природа, человек и все им создаваемое. В данном он опережал свое время, замечая еще неведомые пути развития японского искусства.

В начале XIX столетия авторитет Хокусая был очень внушителен. Кацусика Хокусай не натуральное имя. Деятельность и учёба Хокусая в мастерской были намечены её автором.

Вкусы толпы чуть-чуть заботили художника, он не желал рисовать знакомые им работы в жанре укиё-э, он искал собственный стиль.

Культурный удар начался самым легким образом, когда в 1856 году в ящике был обнаружен знаменитый альбом Хокусай - его рисунками были переложены присланные из Японии изделия из керамики. Работы обозначены явным действием Сюнсё, однако к этому времени популярность Хокусая в жанре якуся-э уже сравнима с известностью его преподавателя.

В нескольких томах, разных по тематике, Хокусай даёт иллюстрации, посвященные происшествиям минувшего и современной жизни.

Кацусика Хокусай всю жизнь останавливал отличные мгновенья данного стабильно текущего из бывшего в последующее мира.

Мазаччо

В 1422 году Мазаччо входит в химцех мед. Сотрудников и аптекарей, куда встречали и художников, а в 1424 году - в товарищество живописцев Святого Луки. Анной" была написана для церкви Сант Амброджо около 1424 года.

Анной" Вскоре Берти пришел к подписанию, что это изумительная деятельность Мазаччо, т. е. изображение персонажей триптиха владеет сильным подобием с иными службами этого мастера.

Судя по центральной панели "Мадонна с ребёнком", все фигуры центральной доли полиптиха были писаны так, будто бы они освещены одним источником света с левой стороны. П.

Впервые в настенной живописи Мазаччо применил полную возможность. Трактовка чуда у Мазаччо лишена ореола загадочности.

В фресках Мазаччо описываемые сцены лишены духовидцы, показаны как добросовестные события, персонажи - это земные люди.

В 1426 г. Мазаччо больше прочих стремился изобразить и обнажённые тела.

В виде младенца Христа в ранних работах Мазаччо исследователи его искусства наблюдают самого 1-го представителя "новой человеческой расы" эры Возрождения.

Мазаччо обучил изображать человека и природу. Туловище гражданина, обнаженное и одетое, сразу приблизилось к жизни. Крупная картина Мазаччо совмещает три факта легенды: в центре несколько ошеломленный монтировщик подати обращается к стоящим внушительным полукругом апостолам; с левой стороны, на втором проекте Пётр потрошит уже словленную рыбу, справа он же величаво и чуть-чуть гневно вручает монету монтажеру. В 18 в. Масштабы росписи 208х88см.

Средства были лёгкие, но Мазаччо начальный стал применять их удачно. Собранные знания у Брунеллески были необходимы Мазаччо для передачи объёмных элементов фигуры (можно отметить, что это первый художник, который удачно разместил тело гражданина с опорой всей ступни на землю в правильном ракурсе). Среди массы религиозных картин, фресок и росписей, также популярны и три потерта Мазаччо. Мазаччо образовал фигуры персонажей вдоль горизонтальной линии, однако группа апостолов в центре образует выраженный полумесяц. Постепенно и Мазаччо присох к Тедеско, подразделялся с ним собственными замыслами и даже обличал ему свои собственные рисунки.

Доступный рационализм художественного мышления Мазаччо выражается в четкой обдуманности символов, поз работающих лиц, их группировки, в лаконизме совместного решения. В 1906 году германский специалист Шубринг связал данные четыре работы с Пизанским полиптихом, заявив утверждение, что раньше они разукрашивали его боковые пилястры.

В 1428 году Мазаччо был приглашен в Рим, где вскоре он канул в лету. На картинах пределлы Мазаччо не применял золотые дворяне. Специалистами немало раз отмечалась роль пределлы в развитии ренессансной картины в целом: горизонтально вытянутый формат сводил ее с древним рельефом; также, именно в зрелищах пределлы художники обретали громадную самостоятельность, отрекаясь от золотых Фонов. Для этого он применял прием светотени. Самая крупная композиция Мазаччо "Чудо со статиром" располагается в верхнем регистре левой стороны часовни. Образование Мазаччо как художника текло в обстановке мощного общественного и культурного подъема во Флоренции, обширного распространения гуманных идей, создания ренессансных художественных принципов в архитектуре и скульптуре.

О Мазаччо известно нисколько не немало. Красноречивее всего о художнике говорят его картины. а определенные данные о нем сохранились в востребованных "Жизнеописаниях живописцев" Джорджо Вазари.

Картина была атрибутирована Мазаччо в XVII веке (об данном есть надпись на боковой части).

Алтарный образ, выписанный Мазаччо, сочетает элементы средневековой государственной живописи и новаторские идеи художника. Здесь в полной мере Мазаччо применяет новую технику, стремясь выделить полновесность и чувственность образов, - золотой фон, который свойственен готическому стилю, он использует для того, чтоб показать горбинка и объемность персон.

Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях.

Одна из сестер Мазаччо впоследствии вышла замуж за художника Мариотто ди Кристофано. В его живописи уже заметны ростки невесомой перспективы, которая с таким глянцем будет развита Леонардо да Винчи.

Творчество автора окончил этап готический, и переметнулось к подобному искусству, в, котором прославлялась человеческая суть. В твореньях Мазаччо появился натуральный горизонт, курсирующий на уровне глаз расписанных людей, интенсивно применялась прямолинейная перспектива.

В росписи Мазаччо удивляет непосредственность и широкое веяние осеннего ландшафта с уходящими вглубь плавно ограниченными, немного размытыми пеленой серыми громадами гор, стряхнувшими листья деревьями, коричневой землей. Но в данных композициях выражается сила художественного нрава Мазаччо, впечатляет необычность его решений.

Эль Греко


Эль Греко умер 7 апреля 1614 и был похоронен в Толедо, Испания, в монастыре Санто Домингос Эль Антигуо.

Осуществлявшее трагичный финал эры Восстановления творчество Эль Греко, где возобладало ирреальное, воображаемое начало, словно посеяно повелением времени.

В 1579 г. В лице Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко, остров Крит повторно со времен отдаленной древности сделался родиной изумительного новаторства. В своих зрелищах Эль Греко моет грани между земным и лазурным, обнаруживает непредвиденные углы и применяет несколько вытянутые пропорции персон. Сменив имя и фамилию на Эль Греко, молодой человек устраивается на деятельность художником, где непреклонно оттачивает собственное искусство, заимствуя опыт своих коллег.

Для работ Эль Греко характерны скорость и пылкость выполнения, которые приближают их к современной живописи. Оканчивая собой некий этап в истории искусства Испании, творчество Эль Греко попутно значит собой своеобразный водораздел между двумя заметными художественными периодами, когда в искусстве практически всех европейских стран в страшных и сомнительных розысках взамен уходящим назад обычаям Возрождения приходят первые провозвестия нового художественного аспекта - искусства 17 столетия.

Анри Матисс


В украшающем полотно "Красная комната" Матисс с полной свободой объединяет поверхность стола и стену в единую, ровную узорную поверхность согласно со своим собственным пониманием композиции.

Совсем мало ранних картин Матисса осталось на родине, наиболее значительные работы были приобретены и похищены за границу, изначально в Россию. Они дополнили собрания С. И. Щукина и И. А. Морозова. Позднее их стали покупать американские коллекционеры.

За годы работы с Моро, Матисс имитирует работы практически всех профессионалов представленных самом Лувре. В особенности хорошо у него получалось повторить картины караваджо, Шардена, Делакруа. Первые картины, Матисс вышвырнул в конце девятнадцатого века на обществе хороших искусств Парижа, - ему было двадцать семь лет. В эти же годы на суд оценке были представлены первые картины определённо фовистического направления: "Люксембургский сад", "Булонский бор". По приезду, Матисс раскрывает собственную художественную школу и занимается преподаванием. Свою жизнь Анри Матисс находился в непрекращающемся поиске.




Василий кандинский

Мазаччо

Клод моне

Анри матисс

Мурильо

Исаак левитан

Иван шишкин