Что Значит, Факты Художники Шарден

 
 



Эль Греко
Тициан
Николай Ге
Мазаччо
Тинторетто
Мурильо
Николай Рерих
Рафаэль
Рембрандт
Ян Ван Эйк
Шарден
Хокусай
Джорджоне
Марк Шагал
Эдвард Мунк
Микеланджело
Эдгар Дега

Что Значит, Факты Художники Шарден

Государыня Екатерина II выписала Шардену совершить десюдепорт (наддверное отличное панно) для конференц-зала Академии художеств в Петербурге.

Во искусстве Франции 18 века Шарден был также одним из разработчиков реалистического портрета.

Загробная репутация Шардена обошла прижизненную. Искусство Шардена оказало большое влияние на максимум реализма Viii века.

Французский художник замечательно отдавал настроение через внутренний вид и предметы, омывающие человека в доме. Центром его композиции делались легкие предметы утвари для дома - резервуар для воды, овощи, посуда из глины, медные сковороды. Относительно жанровой живописи, то такие картины Жана Шардена показывают каждодневную бытовую жизнь, наполненную миром и любовью.

В натюрмортах Шардена грамь между живой и неживой природой размыта, почти стерта.

Живописец замечает в человеке до этого всего его, его сущность, всё же не место, которое он занимает в жизни.

Шарден, художник тихих сцен из жизни семьи и сдержанных натюрмортов, исключительных по собственным привлекательным достоинствам, - один из крупнейших специалистов французского искусства XVIII века. Шарден становится консультантом в 1755г.

В 1742 году Шарден серьезно заболел.

В отличие от искусственного колорита рокайльных живописцев гамма оттенков картин Шардена, которая основана на внимательном рассмотрении натуры, различается богатством тончайших оттенков и гармоничным единением, которое получается благодаря проверенной системе валеров, рефлексов и податливого сфумато.

Допропорядочность и старание известны Шарденом без дидактики и морализирования, без патетики и эффектов, с теми самыми "гранью и порядком", которые он оповещает как жизненный пример. В 1765 году Шардена выбирают членом Руанской академии живописи.

Рафаэль


В семье своей Рафаэль прожил до 15. 00 г. Данный период жизни Рафаэля менее всего известен.

В конце 1509 года Рафаэль уезжает в Рим, там он будет жить до самой своей смерти.

В 1508 году Рафаэль переезжает в Рим, где исполняет заказы для самого папы Юлия II.

Мадонна Грандука (ок. 1505, Флоренция, выставка Питти) еще стилистически близка живописи Перуджино, но имеет отличие от нее композицией и более мягкой контрастной моделировкой. В 15. 00 году Рафаэль приехал в Перуджу, где поступил в мастерскую Перуджино, в те времена основного представителя умбрийской школы. За свою богатую карьеру Рафаэль сотворил более 30 полотен с изображением Марии и малыша Иисуса. Санчо воображает, будто Рафаэль создал свои картины вне зависимости от разделения труда, бывшего тогда в Риме. Если бы он сопоставил Рафаэля с Леонардо да Винчи и Тицианом, то увидел бы, насколько художественные произведения первого зависели от давешнего расцвета Рима, происшедшего под флорентинским воздействием, произведения Леонардо - от ситуации Флоренции, а затем труды Тициана - от развития Венеции, получившего совершенно другой характер.

В 1508 г. Отец Юлий II зовет Рафаэля в Рим и поручает ему глазурь залов для торжеств (станц) ватиканского замка. Рафаэль перед гибелью успел увидеть завершенную серию полностью, т . к . заключительная роспись была готова к 1520 году. Рафаэль не был женат, но есть данные, что в 1514 году он был обручён с Марией Биббиеной, которая была внучкой кардинала. В 1514 г. Умер Донато Браманте и Рафаэля приглашают занять его место архитектора на реконструкции храма Святого Петра.

Рафаэль стремился воплощать в своей живописи идеалы Высокого Возрождения о человеке, являющегося идеалом и живёт в гармонии с отличном миром.

Хокусай


Произведения Кацусики Хокусая распространены по миру.

В "Тридцати шести видах Фудзи" Хокусай был предан давнему приёму иерархии событий, так называемому закону "тэнтидзин" (" небо, земля и человек"). Данный принцип составляет базу его произведений.

Художественный язык Хокусая чёткий и ясный. Взор на мир Хокусая естественным образом отвечал настоящему принципу дальневосточной философии: все сущее появляется на свет вследствие взаимодействия двух обратных сил космического порядка Ян и инь.

Творчество Хокусая оказало ощутимое действие на западную живопись и графику последней трети XIX - начала Xx века.

С 1797 по 1810 год Хокусай совершил обилие "суримоно" - малых по формату хвалебных гравюр.

Показывая гору Фудзи - государственный символ Японии - из разных участков, Хокусай в первый раз указывает образ отчизны и образ народа в их единстве.

Серии пейзажей удивляют посетителя глубиной художественного видения японского мастера.

В 18 лет Хокусай поступил в вэб-студию Кацукава Сюнсе (1726 - 1792), художника укие-э, прошумевшего портретами актеров Мюзик холл.

С начала XIX в. Известность приобрели ёмихон (книги для чтения), и Хокусай продолжал свою занятие иллюстратора, делая броские, художественно-образные и занятные картинки, которые когда были в разы интересней текста.

Самый востребованные псевдоним художника - Кацусика - это дань месту, где он родился и вырос - району села Кацусика в пригороде Эдо.

Непрерывный заработок дал Хокусаю возможность странствовать.

Человек не смотрится меньшим и беззащитным, его силу и способность противостоять природе подчёркивают предметы - плоды его трудов: лодка в печати "Тамагава" отличается весьма значимыми размерами, доски дровяного склада в листе "Пильщики" почти касаются неба. 36 видов Фудзи Свои последние работы художник подписал так: "Хокусай - истративший вечность". И в данном совершенно не было самолюбования или претензии на бессмертие, только ощутимая взыскательность мастера к своему мероприятию.

Кацусика Хокусай всю жизнь задерживал очаровательные мгновенья этого все время текущего из предыдущего в последующее мира. Именно в 1796 художник сделался использовать бывший в дальнейшем широко известным псевдоним Хокусай.

Мазаччо


После реставрации вновь разгорелась дискуссия о кооперации Мазолино и Мазаччо: для примера, Берти (1989) утверждает, что Мазолино автор всего ландшафтного дворянина в данной фреске. В ранний период искусства он создал ряд алтарных типов, в т. е. композицию "Мадонна с Ребёнком и священными" для маленькой церкви Сан-джовенале в Касади Реджеллои складень "Мадонна с Ребёнком и ангелами" (1426) для церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе. Анной" В скором времени Берти пришёл к подписанию, что это необыкновенная деятельность Мазаччо, потому что изображение героев триптиха обладает сильным соответствием с прочими работами данного мастера. Отражение сделано строго по законам перспективы Джотто.

Целый ряд учёных считает справедливым только портрет из Музея Гарднер - некие ученые считают, что на нем изображен молодой Леон Баттиста Альберти. Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, который прозван Мазаччо, был по возникновению и складу характера реальным флорентинцем.

Без сомнения, кисти Мазаччо принадлежит роспись "Чудо со статиром". "Чудо со статиром" и "Мадонна, нежная младенца" В базу положена библейская история о сборщике муниципальных взносов, потребовавшего у Христа и его апостолов статир (греческая монета) за возможность пройти в город. Учёные никогда не сомневались, что роспись в полной мере принадлежит кисти Мазаччо. Открытые Брунеллески законы перспективы Мазаччо использовал в росписи фресок. В коллективных работах Мазаччо и Мазолино именно Мазолино попадает под влияние своего молодого соавтора, навязывающий ему свое новое ощущение перспективы и человека. Буквально круживший в воздухе Флоренции дух раскрепощения человека от традиций и догм "снизошел" и на Мазаччо. Художник, полностью оценивший свои собственные возможности, задался целью сделать живопись, по словам автора жизнеописания художника Вазари, "не чем иным, как воспроизведением посредством только рисунка и красок активных творений природы подобными, какими они ей порождены".

Но уже в данной картине Мазаччо смело берётся за решение проблемы пространственной глубины и композиции, моделировки туловища человека. Мазаччо больше других стремился изобразить и обнаженные тела. Следы действия старших приятелей можно увидеть в самой ранней из известных работ Мазаччо. В виде ребёнка Христа в ранних работах Мазаччо исследователи его творчества видят самого 1-го представителя "новой человеческой расы" эры Воссоздания. Исследователи считают, что новации Мазаччо повлияли на творчество Мазолино, который, за границами сомнения, относился к большим специалистам первой половины 15 века.

В 18 в. Все исследователи дружны с тем, что она целиком сделана Мазаччо.

Средства были легкие, однако Мазаччо начальный сделался применять их благополучно.

Мазаччо создавал фигуры героев вдоль горизонтальной линии, все же группа апостолов в центре создает выраженный полукруг. Решимость и дерзкость, наблюдаемые в повадке письма Мазаччо, с необыкновенной силой демонстрируют его фрески.

В 1428 году Мазаччо был вызван в Рим, где в скором времени он канул в лету.

Между тем никто не умел так наблюдать и так проникнуть взором в окружающий мир, как Мазаччо.

О Мазаччо известно совсем не немало. Красноречивее всего о художнике говорят его свои картины. а отдельные данные о нем сохранились в популярных "Жизнеописаниях художников" Джорджо Вазари. Известно, что художник был чуть-чуть далёк от неромантичной повседневности. Художника не особенно приманивали бытовые вещи. Частенько его даже обвиняли в излишней невнимательности, неряшливости и невнимательности.

Картина была атрибутирована Мазаччо в XVII веке (об данном есть надпись на боковой части).

У предков Мазаччо ландшафт чаще всего был условен, отмечался отвесными насыпями и деревьями с сходными, похожими на зонты или шарообразными кронами.

Данная фреска одной из первых была произведена с поддержкой картонов - гигантских, полномасштабных рисунков - их клали к стене, а затем очеркивали контуры деревянистым стилом.

По возвращении из Пизы Мазаччо сделал во Флоренции картину на дереве с двумя будто бы бы живыми голыми фигурами, женской и мужской.

Искусство автора завершил этап готический, и переметнулось к подобному искусству, в, котором прославлялась человеческая сущность.

Эль Греко


Своё уяснение человеческих характеров Эль Греко выразил в фигурах апостолов Петра и Павла (1614, Эрмитаж).

Эль Греко работал очень энергично, делая внушительные алтарные образы, огромное количество изображений святых и великолепные портреты. По сравнению с портретами венецианских художников эры Воссоздания в образах Эль Греко больше персонального, субъективно острого, ощущается идейное отношение художника к модели. За раму для "Эсполио", которую в 1582 году капитул выписал Эль Греко, профессионал получил весьма громадную сумму, чем за саму картину.

В августе 1998 г в Фоделе открыли музей Эль Греко - компактное суровое здание из пепельного камня, на стенках, которого показываются крупные слайды многих его картин, находящихся в музеях мира. Укрывшись от судебных тяжб в Италии, живописец получает прозвание Эль Греко. Здесь он не один год работает живописцем, работая над своим мастерством и искусством не покладая рук.

Живописцу далека психологическая статика высокопоставленных испанских портретов 16 в. с характерной для них чопорностью, которая отражает землистый, задорный дух испанского двора.

Способы четкости подчас сведены специалистом до крайности их осуществления, преимущественно в зрелищах, соединенных с тематикой религиозного экстаза.

В девяностые годы на искусство Эль Греко выросло влияние испанской духовидцы, тогда основной тематикой художника стали мучения Христа, после – тема апокалипсиса.

Искусство Эль Греко показывает состояние кризиса художественной культуры Позднего Возрождения.

Картины Эль Греко не были похожи на эти несильные произведения эпигонов. Даже его небольшие полотна создавали впечатление нестандартного мира фигур.

Джорджоне


Печать секретности, омывающая личность и творчество Джорджоне, соединена не только со скудностью биографических данных, однако и с полным отсутствием подписанных работ художника.

Игнорируя прямого контакта клиентов со своими персонажами, художник этим заставлял их окунуться в мир тонких, едва уловимых чувств. Джорджоне - живописец нетолстой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Умиротворение Юдифи похоже безмятежности оцепляющего её вида с зеленеющими левами, ширью равнин и гребнями небесных гор.

Скончался Джорджоне в пике сил, в возрасте 43 -х лет от чумы, особенно часто бывшей в Венеции.

О ранних работах Джорджоне ничего не известно, хоть несколько маленьких картин считаются его службами, произведенными около 1500. Лучшие из них – "Суд Соломона" и "Испытание малыша Моисея" (обе – Флоренция, Уффици). В них заметно появление исключительного жанра "poesia". Так в Венеции называли картины на мифические темы, однако по отношению к созданиям Джорджоне это определение приобретает особенный тон, подчёркивая первым делом их завораживавшее клиентов неуловимое стихотворное настроение.

Джорджоне никогда не подписывал свои собственные работы, и только шесть из них совершенно безусловно относятся ему ч. "Мадонна Кастельфранко".

Предшественники Джорджоне изображали удалённые предметы только с учетом прямолинейной перспективы, пространство между ними осталось "безвоздушным", Джорджоне пустил в картины воздух, выучился рисовать световоздушную сферу, сгущающуюся по мере расположенности предмета. Преждевременная кончина Джорджоне была, как выразился Вазари, "известным уроном для мира". Оголенность богинь у ценителей и имитаторов Джорджоне была оправдана ожиданием интимных забав, вакханальным подпитием, любованием собственной красотой во время туалета. Либо нескрываемость данная беспощадна и пагубна, как в греческом вымысле об Актеоне. Мир Джорджоне как будто "лишен углов": материя естественно взаимодействует лёгкой средой, которая размывает и ослабляющей контуры изделий.




Василий верещагин

Иван айвазовский

Хокусай

Поль сезанн

Иван шишкин

Поль гоген