Что Такое, Информация Эль Греко

 
 



Тициан
Рембрандт
Эль Греко
Ян Ван Эйк
Мурильо
Хокусай
Ци Бай-ши
Го Си
Рафаэль
Шарден
Василий Кандинский

Что Такое, Информация Эль Греко

Язык символов постоянно массивен и необычен у Эль Греко. Толедо был культурным центром страны, и в скором времени Эль Греко почувствовал себя как дома. Эль Греко очень часто изображал священных и мучеников на своих полотнах. Но они получались у него непонятно какими удивительными – не печальными и страдальческими как у Тициана (кстати, Эль Греко был его учеником). В данных лицах есть что-то более глубокое, благородное, какое-то внутреннее сияние. Все герои картин Эль Греко худы и аскетичны, с тонкими чертами лица, большими глазами, сделанными какой-то внутренней радости, света и умиротворения, а временами прочности и безгрешной уверенности.

Римский период заканчивает ранний этап творчества Эль Греко, но ни одно из сделанных им в Италии произведений ещё не раскрыло его подлинного художественного своеобразия.

Любимый город он писал почти всё время, случайно пересоздавая, меняя местами собор и крепость, преображая изломы реки и рельеф области, однако вместе с тем постоянно храня основное - неординарность своего Толедо. Конечная в этой серии картина "Толедо в грозу" с удивительной неожиданностью сочетает драматизм, монументальность всего и проникновенный лиризм автора.

По экспрессивностью произведения Эль Греко приближенные к современной живописи. Каждая картина сделана в особом живописном ключе, отражает всевозможные стороны искусства Эль Греко: условное либо приближенное к действительности, проникнутое драматизмом или полное чувствительной гармонии.

Эль Греко как правило совершенствовал своё мастерство, стремясь достигнуть разнообразия приятных средств, подняться наравне с экспертами искусства Запада. Он не желал ждать, когда жизнь подтвердит его собственные изобретательные открытия.

Эль Греко искренне любил Толедо и прожил тут до конца своих.

Своим собственным творчеством Эль Греко приготовил новый этап в развитии пылких трудностей испанской живописи, открыл новый путь решения милых задач.

Будучи иностранцем, Эль Греко остро ощутил неповторимый вид толедцев и их манеру держаться.

Тинторетто


Велики по замыслу батальные композиции Тинторетто (" Битва при Заре", около 1585, Замок дожей, Венеция) и отличающаяся замечательными эффектами света "Тайная вечеря" в церкви Сан-джорджо Маджоре в Венеции (1592 - 94).

В начале своей работы живописца он писал произведения медленно, относился к всякой детали очень внимательно и делал реально громадные картины, которые до сих пор завораживают зрителя своей сильной привлекательностью. Когда слава о живописце разнеслась по всей Венеции и далеко за ее пределами, на него посыпались бесчисленные заказы. Тинторетто сделался работать быстрее, стараясь успеть сделать все к периоду, в результате получались такие картины, которые были "сырыми", недоделанными, необмысленными и даже небрежными. Отдельная часть его картин откровенно не благородна имени такого известного художника.

Успех подошел к Тинторетто в 1548, и с этого времени до самой гибели в 1594 он проводил уравновешенную, но динамичную жизнь в Венеции, работая над декорированием церквей и национальных помещений.

Известный профессионал величественной живописи, Тинторетто построил гигантское количество духовных и вымышленных картин, накрахмаливших церковные, социальные и личные помещения Венеции.

Сочный венецианский колорит картины, сравнивание синих и алых тонов, динамизм, ужасная страстность сцены и ее пластическая сила отправили Тинторетто широкую славу среди живописцев его времени. Беда так потрясла Тинторетто, что художник дает зарок безмолвья, сосредоточившись на своих внутренних переживаниях.

В мастерской он опустил написанный крупными буквами девиз: "Колорит – Тициана, форма – Микеланджело".

Единомыслие было получено, и Тинторетто начал к работе. Страсть к драматическим конфликтам, пластичной мощи и пылкой динамике форм и тона роднит Тинторетто с Микеланджело.

В картине Происхождение Млечного Пути (Лондон, Национальная выставка), созданной после 1570, он применял огромную историю как мотив для изображения контраста приятной мягкой плоти и тяжёлых одежд.

Хокусай

Хокусай изображает всевозможные явления жизни, лишь под действием таких идей могла возникнуть эта серия.

Не зря многие свои произведения Хокусай заключал - "художник, которые одержим рисунком".

Скончался Кацусика Хокусай в 1849 в году.

Работая на малом пространстве открытки-суримоно, Хокусай достигал пунктуальности композиции, цветовых соотношений, привлекательности определенных обычных вещей и их комбинаций.

Гравюры, выполненные Кацусикой в последний период, считаются вершиной его искусства. Хокусай видел жизнь как единый процесс, где все взаимосвязано - природа, человек и все им создаваемое.

У популярного мастера из Японии было обилие учеников и подражателей, но ни один из них не смог залезть до тех вершин творчества, которых достало искусство Хокусая. Почти все последователи усвоили лишь внешние стороне его приема.

В 1800, в возрасте 41 года, живописец называет себя Гакэдзин Хокусай - "Безумный живописью Хокусай" (Его настоящее имя - Токитаро).

По своему продвинутому приёму он мастер реалистического направления. В 1839 в мастерской Хокусая случился пожар, который уничтожил все рисунки и рабочие материалы. После этого Хокусай, скорее всего, рисовал совсем немного, и фактически не выпускал гравюр и литературных картинок. Культурный удар завязался самым обычным образом, когда в 1856 году в ящике был выявлен известный альбом Хокусай - его рисунками были возложены присланные из Японии керамические изделия.

Человек не смотрится меньшим и беззащитным, его силу и способность препятствовать природе подчёркивают предметы - плоды его трудов: ладья в гравюре "Тамагава" отличается невероятно солидными размерами, доски дровяного склада в листе "Пильщики" почти затрагивают неба. Хокусай в собственном печатном издании как бы подытоживает многовековой опыт предков, воспринимая его как живое дело.

Как раз в 1796 художник стал применять ставший впоследствии широко известным псевдоним Хокусай.

Иероним Босх


В 1478 году отец Иеронима умер, забросив своим первенцам весьма гигантское состояние. Стиль Босха можно считать уникальным и не имеющим ничего похожего в нидерландской красивой традиции.

Тема Страшного Суда делается основной в творчестве Босха. Иероним Босх жесток к невысокому. Персонажами его сатирически- фантастических творений производятся и потерявшая голову орава, и власть богатые, и духовенство.

Основным для Босха было содержание его произведений, сила, чувственная чёткость.

Прожил Босх целых 63 года, померев в 1516 году. Художник не отринул после себя правопреемников, которые сумели бы стать его приверженцами, если бы, разумеется, унаследовали поразительный талант.

Нужные разъяснения к содержаниям средневековый человек обретал из разных символов, которыми изобилуют картины Босха.

Босх имел предрасположенность к колкости и иносказанию, в образе осуществления в гротескной форме общей картины жизни народа. Это ставило творческую манеру Питера Брейгеля Старшегои других живописцев.




Поль сезанн

Тинторетто

Поль гоген

Хокусай

Николай ге

Борис кустодиев

Николай рерих

Василий перов