Что Представляет Собой, Художники - Шарден

 
 



Тициан
Рафаэль
Эль Греко
Рембрандт
Мурильо
Мазаччо
Исаак Левитан
Пабло Пикассо
Эдгар Дега

Что Представляет Собой, Художники - Шарден

Государыня Екатерина II заказала Шардену совершить десюдепорт (наддверное живописное панно) для зала Академии искусств в Петербурге. Способствуя последнему делать аксессуары в его зрелищах, приобрел неповторимое искусство изображать мёртвые предметы всякого типа и вздумал посвятить себя исключительно их воссозданью.

Жан Батист Симеон Шарден - великий художник из Франции XVIII века.

Искусство Шардена оказало большое влияние на рост реализма Viii века.

Шарден гордился собственным членством в Королевской академии и серьезно относился к новым обязанностям. Он навещал все ежемесячные собрания академии, постоянно выставлял свои работы в Салоне. В 1730 -е годы Шарден устремился к жанровому типу портрета. В натюрмортах Шардена грамь между живой и неживой природой нечётка, почти стерта.

В 1770 г.

Крест ордена, монеты и награды - это награды, которых живописец удостоился в итоге своего искусства.

В 1731 году Шарден женится – тоже очень счастливо.

В отличие от синтетического колорита рокайльных художников расцветка картин Шардена, основанная на внимательном освоении натуры, отличается богатством тонких оттенков и восхитительным единством, которое получается благодаря грамотной системе валеров, дермографизмов и податливого сфумато.

Мертвая натура обращалась под его гроздью в живую одухотворенную ткань, сотканную из тонких живописных оттенков и дермографизмов, обступленную воздухом.

Героиня небольшой картины Шардена "Прачка" - добросовестная и робкая женщина, внимательная хозяйка и мать. В типе мадам Шарден открывается весь уклад жизни жены художника с её полным домашних неприятностей и лишений наличием.

Рафаэль


В конце 1504 года Рафаэль эмигрирует во Флоренцию, где ознакамляется с произведениями Леонардо да Винчи и Микеланджело.

В конце 1508 года Рафаэль, пожалуй, по рекомендации своего земляка архитектора Браманте был позван Папой Юлием II в Рим. За шесть лет Рафаэль совместно с ассистентами расписал три зала, разместив на каждой из четырех стен по немаленькой живописи.

Исполняя заказ папы, Рафаэль создал росписи салонов Ватикана, которые воспевают идеалы свободы и земного счастья человека, безграничность его физических и духовных возможностей.

У Перуджино Рафаэль воспринял ту мягкость линий, ту самостоятельность постановки фигуры в пространстве, которые стали свойственными для его взрослых произведений.

Хокусай


Не зря многие свои собственные произведения Хокусай подписал - "художник, сумасшедшее рисунком".

Скончался Кацусика Хокусай в 1849 в году.

Блестящее мастерство рисовальщика, выразившееся в "Манга", устанавливает его на 1-м уровне с знаменитейшими художниками межгосударственного художественного искусства. Долгие годы Хокусай выделывал собственный стиль, в виду этого его картины заметно отличаются от творчества товарищей.

В 1795 году выходят его картинки к поэтической антологии "Кэка Эдо мурасаки". Кацусика Хокусай жил длительную жизнь в искусстве, постоянно обогащая собственную творческую привычку.

С ранней молодости Хокусай увлекается книжной схемой, иллюстрирует более 500 томов разнообразных книг. Листочки группы раскручивают перед гостем различную картину природы Японии: её скалистые берега, о, которые разбиваются волны океана; поля, лежащие у основания Фудзи; её восхитительные горные деревни.

В 18 лет Хокусай поступил в студию Кацукава Сюнсе (1726 - 1792), художника укие-э, прославившегося портретами актеров Гранд опера.

Употребление псевдонимов у японских художников того времени было обычным делом, однако Хокусай затмил их по числу имён, которых у него можно насчитать несколько десятков. Работа и учёба Хокусая в мастерской были выделены её основоположником.

Хокусай и сейчас считается непревзойденным мастером данного жанра. В особенности чудесны его суримоно с шутливыми стихами - кёка, которые с конца XVIII в. Стали дополнять художественные резоны. Вкусы публики чуть-чуть беспокоили художника, он не желал рисовать привычные им работы в жанре укиё-э, он разыскивал собственный стиль.

Культурный шок начался самым упрощённым образом, когда в 1856 году в сундуке был найден знаменитый альбом Хокусай - его изображениями были возложены присланные из Японии изделия из керамики. Работы обозначены ясным влиянием Сюнсё, все же к этому времени популярность Хокусая в жанре якуся-э уже сравнима с известностью его педагога.

Хокусай "питается" обществом, а общество питает его дар. Хокусай погиб в возрасте 89 лет. Он смог проникнуть в самую сущность искусства.

Мазаччо

Доподлинно известно, что уже в 1422 году Мазаччо окончил работу над триптихом Сан Джовенале в Реджелло и был зачислен в Маслоцех флорентинских лекарей и аптекарей, куда принимали и живописцев – все же лишь тех, которые закончили курс познания у признанного мастера и достигнули в профессии конкретных высот. В ранний срок искусства Мазаччо часто работал с Мазолино да Паникале; четкое членение произведений Мазаччо и Мазолино является одной из трудных задач современного искусствознания. В ранний срок творчества он сотворил ряд алтарных ролей, в т. е. композицию "Мадонна с Ребёнком и священными" для маленькой церкви Сан-джовенале в Касади Реджеллои полиптих "Мадонна с Младенцем и ангелами" (1426) для церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе. Популярна одна картина, которую Мазаччо и Мазолино написали вместе - "Мадонна с младенцем и Св. Отражение сделано строго по законам перспективы Джотто. Судя по центральной панели "Мадонна с ребенком", все фигуры центральной доли полиптиха были писаны так, будто бы они озарены одним источником света с левой стороны. Но Мазаччо не приманивали аналогичные искусственные приёмы. Одна из первых картин Томмазо Мазаччо нынче хранится во флорентинской галерке Уффици.

Целый ряд исследователей считает надежным только портрет из Музея Гарднер - определённые ученые считают, что на нем представлен молодой Леон Баттиста Альберти. Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, названный Мазаччо, был по возникновению и складу характера натуральным флорентинцем. Томмазо Мазаччо вызвал значительные смены в западном искусстве, что признавали даже его современники.

Кисти Мазаччо принадлежат фрески: "Изгнание из рая", "Чудо со статиром", и живопись на алтарной стене - "Крещение новообращённых". Мазаччо. Картина "Чудо со статиром" со времен Вазари полагается лучшим произведением Мазаччо (в некоторых российских книгах её называют "Подать").

Мазаччо выполнил большой, который состоит из нескольких частей алтарь для церкви Санта-мария дель Кармине в Пизе, получивший название "Пизанского полиптиха" (" Мадонна с Ребенком и четырьмя ангелами"). Но уже в этой картине Мазаччо храбро берется за решение трудности пространственной глубины и композиции, проработки человеческого туловища. Мазаччо больше прочих стремился изобразить и голые тела. Признаки действия старших товарищей можно увидеть в самой ранней из популярных работ Мазаччо. В виде младенца Христа в ранних работах Мазаччо специалисты его искусства видят самого 1-го представителя "новой человеческой расы" эры Возрождения. Все попытки разделить руку Мазаччо от руки Мазолино в этих картинах не выходят за рамки соображений.

Мазаччо научил рисовать человека и природу. Человеческое туловище, обнаженное и облаченное, сразу подошло к жизни.

Его сохранившиеся 11 частей вышло распознать в разных музеях и в собственных коллекциях. Все специалисты были согласованны с тем, что живопись целиком принадлежит руке Мазаччо.

Технология производства композиции, вероятно, была проста: Мазаччо загнал гвоздь внизу картины, от, которого надел нити, и прочертил по ним поверхность сланцевым карандашом (его признаки просматриваются и сегодня). Соответственно была сделана линейная перспектива. Собранные знания у Брунеллески были нужны Мазаччо для передачи объёмных компонентов фигуры (можно отметить, что это первый художник, который успешно поместил человеческое тело с опорой всей стопы на землю в правильном ракурсе). Среди массы религиозных картин, фресок и росписей, также известны и три потерта Мазаччо. Мазаччо образовывал фигуры героев вдоль горизонтальной линии, всё же группа апостолов в центре формирует явный полумесяц.

Картине характерна и украшающая красота, которая присуща Мазолино, и влечение отдать физическую массу и пространство, оригинальное для Мазаччо. Ясный рационализм художественного мышления Мазаччо проявляется в четкой обдуманности знаков, поз действующих лиц, их группировки, в лаконизме общего решения.

Реально, в своих первых созданиях Мазаччо совершенно противоположен Мазолино.

Самая крупная композиция Мазаччо "Чудо со статиром" расположена в верхнем регистре левой стороны часовни.

Отдельные ветви искусства оказывали помощь одна другой, и все вместе впитывали в себя идеи, которыми жило общество.

Брунеллеско выучил тому, что знал, своих друзей-художников - Паоло Учелло и Мазаччо. Мазаччо - великий итальянский художник 15 века.

Алтарный образ, выписанный Мазаччо, совмещает компоненты средневековой классической живописи и свои собственные новаторские идеи художника. Действительно, Мазаччо поочередно развил все, что было интуитивно предвидено великим Джотто. Вдохновлённый античностью, он, как Джотто, устремил собственный разыскивающий взор к естественной среде, сделался учиться у неё, передать ей.

Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях.

В его живописи уже видны зачатки воздушной перспективы, которая с таким глянцем будет развита Леонардо да Винчи.

Сохранились документы, соответственно, которым мать Мазаччо снимала жилое помещение в районе Сан Никколо.

В работах Мазаччо возник природный горизонт, который проходит на уровне глаз показанных людей, энергично применялась линейная перспектива.

Черты особ Адама и Евы даны эскизно, без обстоятельств, лишь переходит их психологическое состояние: ошеломление, позор, раскаяние. Но уже в этих композициях выражается сила художественного темперамента Мазаччо, удивляет неповторимость его решений.

Эль Греко

Поздние работы Эль Греко (" Лаокоон", "Снятие пятой печати"), в, которых воображение художника принимает причудливые, сказочные формы, не были осмыслены современниками.

Осуществлявшее трагический финал эры Возобновления искусство Эль Греко, где побеждало воображаемое, мифическое начало, будто бы порождено распоряжением времени.

Эль Греко родился и получил начальное образование на острове Крит, в возрасте двадцати пяти лет переехал в Италию. Начала его живописи многообразны. Эль Греко работал очень активно, делая большие алтарные образы, громадное количество изображений безгрешных и чудесные портреты.

В 1579 г. Весной 1577 года Доменико Теотокопули, предпринял путешествие в Испанию, где позже получил имя Эль Греко (свои собственные картины он всё время подписывал греческим именем). Доменико Теотокопули, прозванный в связи с его греческим возникновением Эль Греко, родился на острове Крит, который во всех легендах считается Землей обилия. Течение веков стерло тут следы прошлых культур, однако местные жильцы сберегли старинные обычаи и костюмы.

В возрасте 26 лет, Эль Греко отправился в Венецию, где продолжил обучение в мастерской Тициана. Здесь на него крупное влияние оказали работы итальянских маньеристов, но всё-таки, невзирая на это, он выработал свой, оригинальный почерк и манеру изображения. Город, где основался Эль Греко, – Толедо. Там он и остался до конца своих дней. Город, который сделался окончательным укрытием художника. Когда художник приехал в Испанию, ему было тридцать шесть.

Эль Греко горячо любил сына и писал его при всевозможной возможности. Он принял его своим собственным малышом с момента его появления на свет, и Хорхе Мануэль носил его фамилию. Художник ведёт отдельные способы до крайности их осуществления.

В 90 годы в творчестве Эль Греко главной тематикой стали терзания Христа, и одновременно выросло влияние на художника испанской мистики.

Джорджоне

Джорджоне (Джорджо да Кастельфранко) - школьник Джованни Беллини и учитель Тициана. "Спящая Венера" - наиболее востребованное произведение художника.

Стихотворной вершиной искусства Джорджоне стала "Спящая Венера".

Как в "Трех критиках", так и в другой известной картине - "Гроза" - Джорджоне не обращается ни к легенде церкви, ни к античному вымыслу - и в данном он пошёл дальше самых смелых своих современников.

К Джорджоне восходит крупный диапазон двух личностей (поясное изображение), их положение в пространстве по отношению друг к приятелю и то, что они почти в полной мере заполняют поверхность холста.

Обычно в своих зрелищах Джорджоне избегал открытого взгляда своих персонажей на посетителя.

Одухотворенную, необыкновенную атмосферу творений Джорджоне усиливает особый характер его героев (они редко встречаются глазами со гостем, в большинстве случаев их взор опущен или устремлён в сторону), сам выбор, которых был невидан и оригинален.

О ранних твореньях Джорджоне ничего не известно, хотя несколько не столь больших картин считаются его вещами, выполненными около 1500. Лучшие из них – "Суд Соломона" и "Испытание младенца Моисея" (обе – Флоренция, Уффици). В них заметно появление удивительного жанра "poesia". Так в Венеции именовали картины на сказочные темы, но по отношению к творениям Джорджоне определение обретает уникальный цвет, подчеркивая сначала их завораживавшее гостей неощутимое лирическое настроение.

Выделявшийся кротостью художник не стал подписывать картину собственным именем и никогда не вспоминал о практически полном авторстве над шедевром, приписываемым кисти Джорджоне.

У подножия трона Богородицы стоит гроб с фамильным знаком Костанцо - на него и глядит Мадонна.

В живописи Джорджоне картина становится средством выражения мыслей и чувств её разработчика. Всю композицию - от первого плана до далекого - занимает пейзаж, показывающий уютный угол окрестностей Венеции. "Гроза" - это, по существу, первый настоящий ландшафт в живописи Италии, притом Джорджоне первый раз в истории западного искусства пытается передать состояние природы.




Оноре домье

Николай ге

Иероним босх

Лукас кранах старший

Виктор васнецов

Ци бай-ши