Что Представляет Собой, Интересное - Художники Шарден

 
 



Шарден
Клод Моне
Тициан
Ци Бай-ши
Рембрандт
Эль Греко
Рафаэль
Марк Шагал
Джорджоне
Тинторетто
Мурильо
Хокусай
Мазаччо
Василий Кандинский
Иван Шишкин
Леонардо Да Винчи
Сандро Боттичелли
Николай Рерих
Го Си
Анри Матисс
Эдгар Дега
Микеланджело

Что Представляет Собой, Интересное - Художники Шарден

Государыня Екатерина II заповедала Шардену осуществить десюдепорт (наддверное замечательное панно) для конференц-зала Академии художеств в Санкт-петербурге.

Кошки на картинах Шардена - совершенно не ласковые домашние учащиеся, а действительные хищники - голодные и отчаянные. Они нарисованы в движении, в их позах - единовременно опасность и трепет.

Шарден Жан Батист Симеон (1699 - 1779) - Франции художник.

Шарден гордился своим членством в Царской академии и основательно относился к новым обязанностям. Он навещал все ежемесячные заседания академии, регулярно выдвигал свои собственные работы в Салоне.

В 1770 г. Большой фурор Шардену доставили работы в жанре, которые написаны в 1730 - 1740 -х гг. Художник описывал уклад третьего сословия Франции - маленькой буржуазии и трудового народа.

Искусство Шардена как нельзя лучше отображает эталоны эры Просвещения.

В 1742 году Шарден сильно заболел. С 1737 года Шарден становится постоянным участником парижских Салонов. Его работы нравятся маршанам (купцам картин) и критикам.

В 1731 году Шарден женится – также очень счастливо.

Тема натюрмортов Шардена крайне различна. Это букеты оттенков, завтраки, десерты с фруктами, кухонная утварь, столовая посуда, охотничьи трофеии признаки искусств, музыки, науки. Умершая натура обращалась под его кистью в активную благородную материю, натканную из тончайших живописных цветов и рефлексов, окруженную воздухом.

Трудолюбивая хозяйка, боготворящая мать, внимательная воспитательница либо малыши с их непосредственностью и правдивыми потехами - вот основополагающие герои Шардена. В типе мадам Шарден раскрывается весь уклад жизни супруги художника с ее полным хозяйственных проблем и лишений присутствием. В 1765 году Шардена выбирают членом Руанской академии живописи. Автопортрет Шардена, выполненный за четыре года до смерти художника, представляет собой одну из наиболее колоритных, удивительных бледных его работ.

Хокусай

Хокусай запечатлевает разнообразные явления жизни, главным образом под действием таких идей могла возникнуть эта серия.

Кацусика Хокусай – классик живописи мира. Умер Кацусика Хокусай в 1849 в году.

Во всей серии К. Хокусай использовал приём, трудно схватываемый для европейских зрителей.

На детство и юность Хокусая приходится искусство многих профессионалов Японии гравюры: Харунобу, Кацугавы Сюнсё, Утагавы Тоёхару англ. Utagawa Toyoharu).

С 1797 г Хокусай много лет удачно работает в самой маленькой форме японской ксилографии – суримоно – предтече имеющихся одобрительных открыточек.

Демонстрируя гору Фудзи - национальный символ Японии - из разнообразных районов, Хокусай в первый раз открывает образ отчизны и образ народа в их единстве.

Гравюры, выполненные Кацусикой в последний период, считаются высотой его творчества.

В 18 лет Хокусай поступил в студию Кацукава Сюнсе (1726 - 1792), художника укие-э, прославившегося портретами актеров Кабуки.

В начале XIX столетия авторитет Хокусая был очень внушителен. В 1800, в возрасте 41 года, живописец именует себя Гакэдзин Хокусай - "Безумный живописью Хокусай" (Его настоящее имя - Токитаро). Деятельность и учёба Хокусая в мастерской были выделены ее разработчиком.

Вкусы публики мало беспокоили художника, он не хотел рисовать знакомые им работы в жанре укиё-э, он разыскивал собственный стиль.

Человек не смотрится меньшим и незащищенным, его силу и способность противостоять природе подчёркивают предметы - плоды его трудов: лодка в печати "Тамагава" отличается невозможно огромными размерами, доски дровяного склада в листе "Пильщики" почти затрагивают неба.

В мастерской гравёра Хокусай обучился основам мастерства резьбы по дереву. Все же работа резчика-гравёра постоянно была лимитирована замыслом непосредственно художника.

Хокусаю позволено выступить с самостоятельными службами, и первым его опытом в 1784 - 1785 годах становятся гравюры в жанре якуся-э (один из видов театральной гравюры).

Мазаччо


Одна из сохранившихся ранних совместных картин Мазаччо и Мазолино - "Мадонна с младенцем и Св. Популярна одна картина, которую Мазаччо и Мазолино записали вместе - "Мадонна с младенцем и Св. Изображение создано строго по правилам перспективы Джотто. К первейшим его картинам относится церковная картина "Мадонна с ребенком и Святыми", "Мадонна с Младенцем и Святой Анной".

Целый ряд исследователей считает фактическим только портрет из Музея Гарднер - некоторые специалисты считают, что на нем изображен молодой Леон Баттиста Альберти.

Мазаччо стал в отдельном смысле первооткрывателем и в жанре, ставшего так популярным в эпоху Возрождения, мирского портрета.

Мазаччо.

У Брунеллески Мазаччо занимал точное перспективное постановление, что заметно во фреске "Троица".

Позу горько рыдающей Евы Мазаччо определённо заимствовал у статуи воплощающей Воздержание, выполненной Джованни Пизано для кафедры пизанского монастыря. В 1426 г. Мазаччо больше иных стремился изобразить и плотные тела.

Исследователи считают, что инновации Мазаччо воздействовали на творчество Мазолино, который, за пределами сомнения, принадлежал к самым большим профессионалам первой половины Xv века.

Его сохранившиеся 11 частей вышло выявить в различных музеях и в индивидуальных коллекциях. Все исследователи изящны с тем, что она в полной мере выполнена Мазаччо.

Отвага и отважность, наблюдаемые в манере письма Мазаччо, с оригинальной силой демонстрируют его фрески.

Ясный рационализм художественного мышления Мазаччо проявляется в четкой продуманности жестов, поз работающих лиц, их группы, в лаконизме общего решения. Многократно изготавливали попытки реконструировать эту работу Мазаччо, всё же скудость сохранившихся данных даёт возможность лишь строить рассуждения о её исходном виде. В самом деле, в своих первых творениях Мазаччо совершенно противоположен Мазолино. В 1428 году Мазаччо был вызван в Рим, где вскоре он канул в лету.

Самая гигантская композиция Мазаччо "Чудо со статиром" расположена в верхнем регистре левой стены капеллы. Становление Мазаччо как художника проходило в обстановке могучего социального и цивилизованного подъёма во Флоренции, значительного распространения человеческих задумок, создания ренессансных художественных принципов в архитектуре и статуе.

О Мазаччо известно не много. Красноречивее всего о живописце говорят его свои картины.

Картина была атрибутирована Мазаччо уже в XVII веке (об данном есть надпись на на боках части). Мазаччо - великий итальянский художник Xv века.

Он поменял живопись, отказавшись от соблазнительной готики и сосредоточившись на присвоении своим собственным образам ощущения веса и объёма в согласованном трехмерном пространстве.

У предместников Мазаччо пейзаж как правило был относителен, классифицировался скалистыми горками и деревьями с подобными, похожими на зонтики или шарообразными кронами. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях.

В его живописи уже видны зачатки легкой перспективы, которая с таким блеском будет развита Леонардо да Винчи.

Сохранились документы, согласно, которым мать Мазаччо срывала жилое помещение в районе Сан Никколо. О том, кто был педагогом Мазаччо, проверенных данных нет.

Туловища Адама и Евы не только анатомически правильные, их продвижения естественны, художник здорово передал их чувство стыда и отчаяния. Но в этих композициях проявляется сила художественного темперамента Мазаччо, изумляет необыкновенность его ответов. Схема образования линейной перспективы "Троицы" Мазаччо. В связи с тем, что в данном умножении с удивительной очередностью выражены законы перспективы и архитектурные принципы Брунеллески, критики не один раз писали, что оно было сделано под непосредственным руководством данного строителя, всё же большинство не отделяет данную точку зрения.

Эль Греко

Поздние работы Эль Греко (" Лаокоон", "Снятие пятой печати"), в, которых воображение художника принимает причудливые, виртуальные формы, не были постигнуты современниками.

Популярность Эль Греко в Испании достала вершины после возникновения для тихой приходской церкви Санта-томе соблазнительной картины "Погребение графа Оргаса" на сюжет старинной легенды. Двигалось переосмысление и выделение главного, того, что эксперт потом сделает долей собственного стиля - комбинирование, Эль Греко справлял собственного рода паззл.

Пик искусства Эль Греко наступил в Испании, куда он отправился в 1577 г. Не получив признания при участке в Мадриде, он поселяется в Толедо, где в ближайшем будущем обретает заказ на сооружение основополагающего алтаря в монастыре Санто-доминго буква Антигуо.

Осуществлявшее трагический финал эры Воссоздания искусство Эль Греко, в, котором победило воображаемое, фальшивое начало, словно порождено распоряжением времени.

Весной 1577 года Доменико Теотокопули, предпринял путешествие в Испанию, где после приобрел имя Эль Греко (свои картины он всё время подписывал греческим именем). В августе 1998 г в Фоделе открыли музей Эль Греко - небольшое строгое строение из сероватого камня, на стенах, которого ставятся огромные слайды многих его картин, находящихся в музеях мира. Укрывшись от судебных тяжб в Италии, художник приобретает прозвище Эль Греко. Сменив имя и фамилию на Эль Греко, молодой человек устраивается на деятельность художником, где упорно оттачивает свое искусство, перенимая опыт своих коллег.

Для работ Эль Греко присущи скорость и выразительность осуществления, приближающим их к современной живописи.

Во всех твореньях Эль Греко искренне и глубоко выражает своё чувство веры. И это видно не лишь в сюжетах, они достаточно обычны для эпохи, но и в самой разноцветной ткани его живописи, которая, кажется, трепещит от веяния Духа.

Джорджоне

Джорджоне (Джорджо да Кастельфранко) - воспитанник Джованни Беллини и учитель Тициана. "Спящая Венера" - наиболее известное умножение художника.

Необычной данью таланту Джорджоне и тому, которую существенную роль он сыграл в участи Тициана, стало возобновление художником сгоревшей в огне картины Джорджоне "Спящая Венера".

Верхами творчества Джорджоне оказываются картины "Спящая Венера" и "Сельский концерт". Данные картины задержались незавершенными, и панорамный фон в них был дописан меньшим другом и учеником Джорджоне - известим Тицианом. Именно в данных картинах с античной четкостью отворилось единство телесной и духовной привлекательности человека. Поразительно правдивая, несмотря на свою наготу, "Спящая Венера" является в полном смысле аллегорией, символическим образом Природы. Исключительное очарование картин Джорджоне состоит именно в том, что как бы появляется вокруг сюжета и на чем Джорджоне ставит основной акцент, - в том настроении, которым овеяна сцена, в богатстве страстных оттенков. Как следствие сообщалось даже, что картины Джорджоне - лишь чистые замечательные видения без конкретного сюжета (и, кстати, в данной самостоятельности фантазии усматривалось определенными специалистами достоинство Джорджоне и его близость нынешним художникам). с этим утверждением нельзя согласиться, но определённо, что Джорджоне был одним из тех художников, которые создали картину в современном её понимании. Человеческое тело, прелестное в своей "духовной" наготе – его основная тематика.

Молодой человек сидит на каменной террасе и как бы слит с землей. Законченный образ мира. Трепет перед зловещей, угрожающей пещерой, влечение узреть, не скрывает ли она каких-то чудес. Как рассказывалось, интерес к портретной заостренности не характерен для искусства Джорджоне.

Женщина, изображённая на фреске Джорджоне, напоминает средневековую Венеру. Так же, чуть смеясь, держа в руке атрибуты, которые обязаны открыть резон изображения, стояли у стен и порталов готических храмов каменные скульптуры, показывающие добродетели либо пороки.

Блестящая серая поверхность меча, осененная лучом света, алеет от соседства с материей и кажется зелёной там, где его острие соприкасается с травой и землей.

Умер Джорджоне в расцвете сил, в возрасте 43 -х лет от чумы, достаточно нередко предыдущей в Венеции. Может быть эта работа стала первой вехой в появившейся впоследствии сумятице, из-за, которой на протяжении многих десятков лет, картины Тициана, отличающиеся необычным преимуществом исполнения, часто приписывались кисти Джорджоне. Всё же возвратимся чуть назад, а именно в 1508 год, в эпоху "века золота" итальянского Возрождения, когда действительный художник пригласил молодого Тициана оказать помощь ему в деятельности по оформлению Немецкого подворья в Венеции.

У основания трона Богоматери стоит саркофаг с семейным символом Костанцо - на него и смотрит Мадонна.

Мир Джорджоне как будто бы "лишен углов": материя естественно действует с легкой средой, размывающей и ослабляющею контуры предметов.




Хокусай

Поль сезанн

Анри матисс

Мазаччо

Иван айвазовский

Сандро боттичелли

Виктор васнецов