Что Означает: Хокусай

 
 



Мурильо
Ян Ван Эйк
Хокусай
Джорджоне
Рембрандт
Мазаччо
Рафаэль
Тинторетто
Василий Кандинский
Николай Ге
Эль Греко
Тициан
Лукас Кранах Старший
Илья Репин
Шарден
Эдвард Мунк
Клод Моне
Перуджино
Марк Шагал
Поль Гоген

Что Означает: Хокусай

Хокусай запечатлевает разные явления жизни, преимущественно под влиянием таких задумок могла появиться эта серия.

Кацусика Хокусай старательно вглядывался в окружающий мир, и это добавляло его гравюрам множество четких деталей.

Художественный язык Хокусая ясный и ясный. В своих трудах Хокусай изображает самые всевозможные природные предлоги, с поддержкой неустрашимых перспективных проявлений и сочетаний оттенков создаёт героический образ японского вида, подчеркивает контраст между несерьёзной деятельностью людей и уравновешенным спокойствием естественного присутствия.

Творчество Хокусая оказало колоссальное действие на западную живопись и графику последней трети XIX - начала 20 века. Происходил он из семьи крестьян.

Кацусика Хокусай прожил долгую жизнь в искусстве, постоянно обогащая свою творческую манеру.

Пейзажные серии впечатляют зрителя глубиной художественного восприятия японского мастера.

Хокусай видал жизнь как единый процесс, где все связано - природа, человек и все им создаваемое. В этом он опережал собственное время, вскрывая ещё необычные пути развития японского искусства. В четырнадцать лет Хокусай поступил в учащиеся к известному граверу и, плавно, начиная с подготовки доски и завершая нанесением краски, овладел моментами этого прилежного ремесла. Здесь он пробыл до девятнадцати лет, после этого принят в мастерскую популярного в то время художника Кацукава Сюнсё (1726 - 1793). У популярного японского мастера было обилие учащихся и подражателей, однако ни один из них не смог забраться до тех творческих вершин, которых достигнуло искусство Хокусая.

В начале XIX столетия авторитет Хокусая был уже очень высок. За свою длинную жизнь Хокусай заменил обилие имен, почти все из, которых были только подписями на его созданиях. Деятельность и учеба Хокусая в мастерской были выделены её учредителем. Кацусика Хокусай – классик всемирной живописи.

Хокусай и сейчас считается поразительным профессионалом данного жанра.

По своему продвинутому приёму он мастер реалистичного направления.

В нескольких томах, разных по тематике, Хокусай предоставляет иллюстрации, которые посвящены происшествиям былого и современной жизни.

Хокусай скончался в возрасте 89 лет. Скорее всего, он успел проникнуть в самую сущность искусства.

Про себя специалист говорил, что на все, что он рисовал до старости, на деле не стоит направляться никакого внимания.

Гравюры Сюнсо начали казаться ему суховатыми и прозаичными.

Эдгар Дега


В 1880 -е годы Дега интересуется техникой картины.

Эдгар Дега использовал разнообразные краски, но любил пастель.

Портрет герцогини Moнтежаси с дочурками была последней деятельностью Дега. Эдгар был старшим из пяти детей Огюста и Селестины де Га; семья, которая имеет 5-х малышей, тогда не полагалась особенно "многодетной". Дега происходил из очень музыкальной семьи. Его монахиня была оперной исполнительницей (правда, на непрофессиональном уровне), а папа иногда собирать коллекцию в своем помещении музыкантов-профессионалов и устраивал вечера музыки и концерты. Отец, хорошо разбирающийся в искусстве и талантливый оценить его талант, активно поддерживал старания отпрыска в данном направлении. Все же он не предполагал - и, пожалуй, нисколько не пытался этого, - чтобы в дальнейшем его сын избрал ненадежную карьеру художника как основополагающую собственную специальность; для папы было бы необходимым, если б это занятие скрашивало досуг его повзрослевшего первенца и служило очаровательной приправой к неформальному общению с "полезными" людьми, т. е. к живопись была тогда в крупном фаворе среди успешных парижан, и в живописных салонах можно было завести и поддерживать ознакомление со многими сильными этого мира.

Явный перфекционизм Дега вынуждал отдавать живописи все силы.

По окончании школы Луи-ле-гран (Lycee Louis - le - Grand) дега собрался учиться праву. Тем не менее, в 1855 году он поступил в школу изысканных искусств (Ecole des Beaux - Arts), в студию Луи Ламота, который придерживался стандартного направления в изобразительном творчестве.

В 1860 году Дега впервые использовал классический античный сюжет - "Занятия юных спартанцев". В 1860 -е годы Дега тянется к портретной живописи.

Дега, нероятно, совершеннейший среди современных ему живописцев. Дега впервые выставляется в Салоне, но его картина "Эпизод средневековой войны" (Scene of War in The Middle Ages) не приковала внимания. Формируя свои способности в линейных традициях, Дега совмещал с импрессионизмом прямоту формулирования, интерес к отображению современной жизни.

Мазаччо

В 1422 году Мазаччо вступает в птицецех медицинских работников и аптекарей, куда принимали и живописцев, а в 1424 году - в товарищество художников Святого Луки.

В ранний промежуток творчества он построил ряд алтарных образов композицию "Мадонна с Малышом и священными" для маленькой церкви Сан-джовенале в Касади Реджеллои полиптих "Мадонна с Малышом и ангелами" (1426) для церкви Санта Мария дель Кармине в Пизе.

Здесь Мазаччо уже виртуозно использовал трёхмерное пространство для формирования устойчивой архитектурной объёмности фигуры Мадонны. Судя по центральной панели "Мадонна с младенцем", все фигуры центральной доле полиптиха были писаны так, как будто они освещены одним источником света с левой стороны. Когда другие художники осознали и оценили возможности перспективы, они начали специально включать в композицию элементы, облегчающие создание пространства, - ушедшие вдаль колонны, который покрыт клетчатыми плитками пол и т.

Целый ряд исследователей считает реальным только портрет из Музея Гарднер - некоторые специалисты считают, что на нем изображён молодой Леон Баттиста Альберти.

Мазаччо сделался в определенном толке открывателем и в жанре, который стал так распространенным в эпоху Возрождения, знатного портрета.

Мазаччо. На картине (разм. 230х598см) приведено чудо, созданное Петром когда он благодаря апостолу Павлу был освобождён из тюрьмы. У Брунеллески Мазаччо заимствовал верное перспективное формирование, что видно во картине "Троица". В общих работах Мазаччо и Мазолино именно Мазолино попадает под влияние собственного молодого соавтора, навязывающий ему собственное новое понимание перспективы и человека.

В 1426 г. Но уже в этой картине Мазаччо смело берётся за решение неприятности пространственной глубины и композиции, проработки тела.

В типе ребёнка Христа в ранних работах Мазаччо ученые его творчества видят первого представителя "новой человеческой расы" эпохи Возрождения. Все попытки поделить руку Мазаччо от руки Мазолино в данных фресках не выходят за рамки рассуждений. По одному интенсивному представлению, в деятельности представлен "маленький Геракл", тем самым пролеживается связь искусства Мазаччо с средневековыми образцами.

Немалая картина Мазаччо сочетает три эпизода легенды: в центре несколько огорошенный монтировщик подати обращается к стоящим громадным полукругом апостолам; в левой части, на втором плане Петр потрошит уже словленную рыбу, справа он же величаво и несколько досадливо дает монету сборщику. В 18 в. Художник очень тщательно собирался вероятность своих фресок, об данном говорят остальные в штукатурке отверстия от гвоздей, с поддержкой, которых Мазаччо нахлобучивал нити, точно указывающие направление линий перспективы. Но когда подходило время накладывать краску, он исполнял это решительно и моментально, обширными, твердыми штрихами.

Мазаччо образовал фигуры героев вдоль горизонтальной линии, но группа апостолов в центре создает доступный полукруг. Храбрость и дерзновенность, которые наблюдаются в склонности письма Мазаччо, с уникальной силой демонстрируют его фрески.

Ясный рационализм художественного мышления Мазаччо проявляется в четкой обдуманности символов, поз действующих лиц, их группировки, в лаконизме общего решения.

В 1428 году Мазаччо был позван в Рим, где вскоре он исчез.

Формирование Мазаччо как художника протекало в обстановке мощного социального и культурного подъёма во Флоренции, обширного распространения гуманистических задумок, создания ренессансных художественных принципов в архитектуре и скульптуре.

Между тем никто не умел так наблюдать и так проникнуть взглядом в окружающий мир, как Мазаччо. Обособленные ветви искусства оказывали помощь одна иной, и вместе пропитывали в себя мысли, которыми проживало общество.

Цели, которые позволил Мазаччо, носились в воздухе. Они назрели давно, однако не было гения, который способен поймать и выразить их. Явился Мазаччо и сделал то, чего не могли сделать некоторые другие. Задачи, им разрешенные, были предложены общественной эволюцией, но для того, чтобы решить их, необходимы особенные призвания и совершенно сверхъестественная способность пользоваться всем, что было сделано в искусстве раньше. И не только в живописи. Все герои картин Мазаччо одарены мужеством, героизмом.

Центральная панель Пизанского полиптиха отчетливо демонстрирует, что Мазаччо вроде бы озаряет объект стойким источником света, это позволяет мастеру создавать объемные изображения.

В деятельности над Троицей Мазаччо впервые применял картоны - подготовительные рисунки, с поддержкой сетки квадратов отложенные на стены. Одна из сестер Мазаччо впоследствии вышла замуж за художника Мариотто ди Кристофано. В его живописи уже видны ростки невесомой перспективы, которая с таким глянцем будет развита Леонардо да Винчи. По возвращении из Пизы Мазаччо сделал во Флоренции картину на дереве с двумя будто бы бы живыми обнажёнными фигурами, дамской и мужской.

В произведениях Мазаччо возник естественный горизонт, сыплющий на уровне глаз представленных людей, активно использовалась прямолинейная перспектива.

Жанр алтарной картины сам по себе наиболее консервативный, вызывал направления определенным канонам и необходимого для алтарей золотого фона. Схема построения линейной перспективы "Троицы" Мазаччо.

Марк Шагал


Богословские сюжеты у Ходила встречаются уже в раннем искусстве, в 1910 - 20 х гг. Известный парижский издатель Амбуаз Воллар советовал ему сделать иллюстрации к Библии.

В Лувре, наперекор традиции, была сделана его прижизненная выставка.

Марк Захарович изобличал обычные предметы так, словно гость следит их впервые.

В 1920 - 1930 -х годах окончательно создаётся художественно-философская система Бродила с особой ассоциативностью и иносказательностью стабильного строя. Партия гуашей-иллюстраций к Библии (1931) сыграла большую роль в создании Шагала-человека и художника.

Революцию художник повстречал в Петрограде и принял ее не столько как социальный катаклизм, сколько как переворот в осмыслении людей.

К фигурам детства художник Марк Шагал многократно адресовался в своём взрослом искусстве. Библейских героев - предков, пророков, правителей - Шагал воспринимает как своих родственников, дедов. Таким образом он обходился к книге Жития, к книгам предсказаний, к книжкам Царств, с неповторимой дружелюбностью и любовью он иллюстрировал историю Руфи. И всем его творениям присуща и глубина, и лёгкость в одно и то же время, немаленький духовный накал и вместе с тем - сниженность наружного пафоса почти до бытовой трактовки сцен. Практически восемь десятков лет Шагал создавал собственный мир - миф, где в особом сплаве скрутились библейские истории и образы фольклорного мышления, персонажи цирка и сказки.

Библия с иллюстрациями Гуляла вышла в свет, в нее вошли 105 гравюр.

Для продления появления Марк Шагал уехал в Париж. В июне 1914 года в Берлине случилась первая выставка Марка Шагала, которая соединила практически все написанные в Париже картины и рисунки. После ее успеха о Шагале узнали многие.

С 1953 по 1956 год Бродил много писал виды Парижа, не забывая вместе с тем родной Витебск.

Картина 1908 года "Покойник (Смерть) " уже включает "программу" последующего творчества Бродила. В структуре ее вида переплелись опыт жизни в израильской периферии, ортодоксальные религиозные мнения, традиции фольклора и идеи русского символизма. В этом полотне обнаженность лирического чувства сочетается с алогизмом деталей и ситуаций (скрипач на крыше), приёмами деформации, напряженностью поразительного решения. Заметную часть времени и сил Ходил давал иллюстрированию книг "Мертвых душ", "Басен" Лафонтена и Библии.

Сын грузчика, Марк Шагал с ранних лет бредил словом "художник".

Творчество Марка Шагала чтят во всем мире.

Покраснев в полдень летом, он бесновался с размахом без границ, все ближе придвигаясь к витебской периферии, и юную роженицу на кровати переволакивали из дома в дом.

Мурильо


Бартоломе Эстебан Мурильо (1617 - 1682) - испанский художник XVII в., который проживал в Севилье. Мурильо весьма нечасто ставил дату на своих зрелищах, однако каждый раз, когда он это делал за датой скрывалось существенное явление в жизни художника. Так было и на этот раз: 1652 год поймал его за деятельностью сразу над двумя первыми полотнами "Непорочное начатие", т . к . главным образом Мурильо восхвалял Богородицу. В 1645 году Мурильо возвращается в Севилью, где получает крупный заказ от одного монастыря.

В 1627 г. Умер папа, а год спустя и мать, Мария Мурильо, фамилию, которой возьмёт в дальнейшем Бартоломео, когда будет известным.

Награждение, полученное живописцем за деятельность для Общества, не повлияло на принадлежащий Мурильо ослабленный уклад жизни. Вскоре он отпустил на волю невольника, вымахавшего в его доме, очевидно у Мурильо были свои мнения на существо милосердия. Мурильо не был создан бойцом, и не сумел стать философом. Но сделался великим живописцем, сумев сдержать свой духовный мир в динамическом равновесии перед ударами судьбы.

Периодически он писал их группами или по двое, а иногда в одиночку, как на фреске "Мальчик с собакой".

Испанская набожность не препятствовала живописцу формировать портреты нищенок, продавцов и, безусловно, малышей, чьи прототипы для ролей он обретал на улицах. Картины Бартоломе Эстебана Мурильо отличаются удивительной лиричностью, честностью, проникновенностью.

Кульминацией работы Мурильо стало предложение ему места стремянного художника, избавившегося после гибели Веласкеса. Единовременно с картинами духовного содержания, он создаст свои собственные известные произведения в жанрах. Он выполнил несколько картин для севильской клиники "de los Venerables Sacerdotes", между прочим "Богоматерь во репутации", составляющую одну из главнейших драгоценностей Луврского музея.

В конце XIX века произошло определенное изменение вкусов и взоров на живопись, в связи с чем известность Мурильо постепенно померкла, критика писала о "приторной медоточивости", "поверхностности" и гладкости его работ. Живостью; в них преувеличенная интерпретация грубой действительности той эры гармонирует с увеселеньем и витальностью плутовского мира и неплохой технической виртуозностью. Большой успех Мурильо доставили его религиозные композиции с вариациями Мадонны, которые написаны с андалузских раскрасавиц (" Мадонна с четками", ок.

Реалистичные тенденции творчества Мурильо ярко отобразились в бытовом стиле.

Книга Жана Ф. Пейрона "Новое странствие в Испанию в 1772 - 1773 г. Г. " не должна была оказать особенного действия на французскую общественность, так как она была издана в Женеве, Лондоне и Льеже в 1780 и довольно быстро пропала с прилавков, о чем уже в 1807 году очень сокрушался Боргуин.

Шарден

Творчество Шардена привнесло в творчество реализма естественность и утонченность. Пособляя последнему выполнять аксессуары в его картинах, обрёл необычное искусство изображать неживые предметы разного типа и вздумал посвятить себя исключительно их воспроизведению.

Сделанные в технике пастели, эти произведения столь честны и согреты правдивостью и задушевностью, что они особняком стоят среди произведений того же разряда, задачей, которого в XVIII веке полагалось возвеличивание вида портретируемого.

Посмертная известность Шардена обошла прижизненную.

Живописи Шардена присущи согласие серого и коричневого тонов, богатство дермографизмов и едва уловимых цветов, которые гармонизируют переходы от света к тени.

Картины Жана Батиста Симеона Шардена отличаются глубоко поэтичной передачей реальности и гармонично сочетают в себе бытовой жанр и натюрморт.

В натюрмортах Шардена грамь между живой и неживой природой нечетка, почти стерта. Очень важное место занимает в творчестве Шардена жанровая живопись.

Руководителем Академии становится мощный Ж. Шарден становится помощником в 1755г.

Искусство Шардена лучше всего показывает идеалы эпохи Обучения. Невзыскательный, прилежный, самоедский, Шарден был равнодушен к официальной карьере и придворным почестям. Однако долго (1755 - 1774 гг.) он скрупулезно делал возможности функционала казначейша Королевской Академии и заслужил высокую репутацию за педантичность, честность и неподкупность.

Дочь Шардена помирает в младенчестве, затем помирает и жена художника. Его смерть становится главнейшей трагедией в жизни мастера.

В "малых", с позиции Академии искусств, жанрах художник Шарден добился такого совершенства, что был утвержден в её члены в 1728 году, в период роста рококо.

Шарден часто кладёт в произведения настоящий подтекст или намек. Легкость и безыскусность в жизни, которые отразились и в творчестве Шардена, сделали его одним из ключевых представителей французского реалистичного искусства. Допропорядочность и старание знамениты Шарденом без дидактики и морализирования, без патетики и проявлений, с этими очень "меркой и порядком", которые он уведомляет как жизненный образец.

Автопортрет Шардена, который выполнен за четыре года до кончины художника, представляет собой одну из наиболее броских, прекрасных бледных его работ.

Рафаэль

Рафаэль получил от папы Юлия II вызывание в Рим, где он смог поближе познакомиться с средневековыми памятниками, участвовал в археологических раскопках.

В 1500 - 1504 годах Рафаэль, по свидетельству Вазари, учился у художника Перуджино в Перудже.

Около 1513 года Рафаэль расписал домашнюю капеллу Киджи в церкви Санта Мария делла Более. Видимо, в том же году Киджи советовал Рафаэлю расписать две большие лоджии его виллы (далее подцепившей название Фарнезина), которая построена архитектором Перуцци на берегу Тибра у подножия Яникульского холма. Роспись одной из террас Рафаэль доверил своим пособникам Джулио Романо и Джанфранческо Пенни, а иную накрахмалила очень хорошая живопись Рафаэля "Триумф Галатеи" (1513, Рим, Вилла Фарнезина).

В лондонской Национальной галерее висит его замечательная картина "Сон рыцаря', выписанная в 1500 году, то есть когда Рафаэлю было всего семнадцать лет.

Автор невозможно замечательных и безмятежных полотен, он получил признание современников благодаря изображениям мадонн и монументальным фрескам в замке Ватикана.

Оставшись в 11 лет сиротой, Рафаэль сделался обучаться у Пьетро Перуджино – известного итальянского художника. Сначала Рафаэль имитирует стиль собственного педагога, а после данного вырабатывает свою особенную манеру написания картин. Своеобразную – ибо его полотна чисты красками, просты, фигуры на них верны в соразмерностях. Тем не менее анатомические знания в истории Рафаэля были получены не сразу. Он переезжает в Рим, где получает несколько ценнейших заявок. Так он исполняет фрески во замках и храмах. Там же Рафаэль показал себя как архитектор – был одним из руководящих сооружением собора Святого Петра.

Наверное, Рафаэль перед смертью успел увидеть готовую серию полностью, так как заключительная живопись была готова к 1520 году. Рафаэль никогда не был женат, однако есть сведения, что в 1514 году он был помолвлен с Марией Биббиеной, которая была внучкой кардинала. Их роман прервался из-за гибели Марии. Другой девушкой в жизни художника, была красавица Рита, названная им самим "Ла Форнарина", дочка пекаря (хлебник – fornaro) по имени Франческо Лути.

У Перуджино Рафаэль воспринял ту плавность линий, ту свободу постановки фигуры в пространстве, которые стали характерными для его повзрослевших композиций. В 1513 - 1514 годах, временно забросив работу над многочисленными ордерами, Рафаэль создает для церкви монастыря священного Сикста в городе Пьяченце одно из самых лучших произведений - "Сикстинскую мадонну". Это был результат его работы над образом богоматери - шедевр, где профессионал наиболее полно проявил собственный идеал.




Борис кустодиев

Тинторетто

Мурильо

Василий кандинский

Поль сезанн

Николай рерих

Хокусай