Что Есть, Полезная Информация: Художник Шарден

 
 



Рембрандт
Эдвард Мунк
Марк Шагал
Ян Ван Эйк
Рафаэль
Иероним Босх
Тициан
Эль Греко
Николай Рерих
Джорджоне
Ци Бай-ши
Тинторетто
Хокусай
Шарден
Эдгар Дега
Эдуард Мане
Мурильо

Что Есть, Полезная Информация: Художник Шарден

Государыня Екатерина II заповедала Шардену реализовать десюдепорт (наддверное очаровательное панно) для конференц-зала Академии художеств в -петербурге. Пособляя последнему исполнять аксессуары в его зрелищах, приобрел особое творчество описывать мертвые предметы всякого типа и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению.

Живописец третьего звания Шарден всегда шел в своих созданиях от натурального актуального аргумента. Живописуемому он предоставлял значительность, ведя неторопливый рассказ о каждодневном явлении, о предметах, соединенных с обществом человека, стремился показать внутреннее преимущество моделей. Это отвечало духовным взглядам художника, убеждённого в своих видениях на жизнь. Современники Шардена произносили о нем как о продолжателе традиции нидерландских и фламандских мастеров натюрморта и хозяйственного разряда 17 в. и он хорошо знал искусство этих живописцев. Шарден увеличил данную традицию; он внес в свои собственные жанровые сцены оттенок изящества и естественности. Крайне быстро Шарден от внешней занимательности, иллюстративности переходит к вещам истинно поэтическим, теплым тёплом людских чувств. Но в творчестве художника тоже была собственная эволюция, внутреннее развитие.

К 1740 году известность Шардена уже начинает походить на славу.

Дидро провозгласил Шардена востребованным экспертом колорита и композиции.

В 1730 -е годы Шарден устремился к стилевому виду портрета.

В 1770 г. Шарден родился и целую жизнь провёл в Париже. Благодаря натюрмортам, вынесенным на "выставке новичков" живописец стал известен публике в Париже.

Как правило и с большой любовью рисовал Шарден малышей. Успех наступил к Шардену стремительно. с того момента события возникают для художника лучше всего.

В 1742 году Шарден серьезно заболел.

В 1731 году Шарден женится – также очень хорошо. Шарден изобразил академикам два натюрморта - "Скат" и "Буфет". Увидев данные сияющие натюрморты, жюри подтвердило кандидатуру Шардена, и его взяли в число академиков (несмотря на то, что натюрморт полагался "невысоким жанром"). В отличие от синтетического колорита рокайльных художников цветовая палитра картин Шардена образованная на внимательном рассмотрении натуры, отличается богатством прозрачных оттенков и гармоничным единством, которое добивается благодаря понятной системе валеров, дермографизмов и податливого сфумато.

В собственном искусстве Шарден постоянно обращается к натюрморту. На его натюрмортах немного предметов, расставленных тщательно и продуманно: несколько сосудов, несколько плодов, утварь для кухни, нераздражительная еда простого человека (" Серебряная супница", "Медный бак", "Натюрморт с фазаном и охотничьей сумкой", "Стакан с водой и кувшинчик", "Трубки и кувшин", "Натюрморт с булочкой", "Серебряный кубок"). Умершая натура преобразовывалась под его кистью в живую одухотворенную ткань, сотканную из тончайших красочных оттенков и дермографизмов, обложенную воздухом.

Легкость и примитивность в жизни, которые отразились и в творчестве Шардена, делали его одним из главнейших представителей французского реалистичного искусства.

Автопортрет Шардена, созданный за четыре года до смерти художника, представляет из себя одну из наиболее интенсивных, превосходных бледных его работ.

Рафаэль


К портретному жанру Рафаэль устремился еще в годы работы во Флоренции, но наилучшие его работы в данном жанре относятся к римскому промежутку.

Рафаэль Санти появился на свет 6 апреля 1483 года в Урбино, маленьком городе итальянской области Марки.

В 1508 году Рафаэль перебирается в Рим, где выполняет заказы для самого папы Юлия II. В лондонской Государственной галерее висит его чудесная картина "Сон рыцаря', написанная в 1500 году, то есть когда Рафаэлю было всего одиннадцать лет.

Оказавшись в 11 лет сиротой, Рафаэль сделался обучаться у Пьетро Перуджино – знаменитого итальянского художника. Сначала Рафаэль имитирует стиль собственного педагога, а после данного вырабатывает собственную особую манеру написания картин. Неповторимую – потому что его полотна чисты красками, легки, фигуры на них правильны в соразмерностях.

Художник, изображая Мадонну, упоминал всех красавиц, которых он зрел в жизни.

Леонардо Да Винчи

В возрасте 20 лет Леонардо да Винчи сделался членом Флорентийской Гильдии Художников.

Накладывая пласт масляной краски поверх иного, он выполнял тонкую пелену, что предоставляло туманность картине, что не отвечало строгости формы классического полотна. - в Милане, затем снова во Флоренции (1499 - 1506) и в Милане (1506 - 1513). Отец, господин, мессэр Пьеро да Винчи, был богатым нотариусом, так же как и четыре предыдущих поколения его родственников.

Заниматься умением означало для него образовывать научные выкладки, наблюдения и опыты.

Во Флоренции, на отчизне его первых успехов, Медичи относились к нему достаточно подозрительно, ценя в нем по большей части музыканта, изготавливавший изумительные инструменты.

Связь живописи с оптикой и физикой, с анатомией и математикой заставляла Леонардо становиться учёным. Проект приспособления города, как и многие другие тех. идеи Леонардо, феодал отклонил.), за свою жизнь имел четырех супруг и был отцом десяти сыновей и двух дочерей (последний ребенок появился на свет, когда ему было 75 лет).

Леонардо с гордостью подписывался - "Леонардо да Винчи, воспитанник опыта". Логически к летательным машинам Леонардо двигался от наблюдений за полётом птах, стрекоз, летучих мышей, думая, что крыло для человека требуется делать по виду закрывала летучей мыши. Шестидесятичетырехлетний Леонардо стремился не запускать свои собственные занятия живописью, хоть о значительных работах не могло быть и речи.

Леонардо в первый раз высказывает мужественные догадки о волновой естественной среде света. Несомненно, творчество Леонардо было высшим воплощением эталонов гуманизма. Тем не менее как учёному ему гораздо поближе был аристотелевский эмпиризм, и вместе с ним он переносился в Xiii в. Именно тогда появлялся дух научного опыта, в утверждение и развитие, которого решающий вклад внес Леонардо. Вместе с тем - опять-таки как учёный и мыслитель - он на значительные столетия опередил свое время.

Мазаччо


Вазари приписывал Мазаччо авторство всей картины.

Здесь Мазаччо уже умело применял трёхмерное пространство для образования беспрерывной архитектурной объёмности фигуры Мадонны. В центре алтаря Мадонна с ребёнком и двумя ангелами, справа от нее священные Варфоломей и Блез, с левой стороны – непорочные Амвросий и Ювеналий. Когда иные художники поняли и оценили возможности перспективы, они начали специально вводить в композицию компоненты, упрощающие формирование пространства, - ушедшие вдаль колонны, покрытый клетчатыми плитами пол и т.

Мазаччо стал в неком толке открывателем и в жанре, ставшего столь знаменитым в эпоху Восстановления, светского портрета.

Впервые в настенной живописи Мазаччо использовал совокупную вероятность. Живописец сделал композицию таким образом, что по мере устранения изображение становится меньше. Интерпретация чуда у Мазаччо лишена ореола загадочности.

Мазаччо.

У Брунеллески Мазаччо занимал верное перспективное возникновение, что заметно во картине "Троица". В коллективных работах Мазаччо и Мазолино именно Мазолино попадает под влияние собственного молодого соавтора, который навязывает ему свое новое восприятие перспективы и человека.

Позу горько хныкающей Евы Мазаччо определённо позаимствовал у скульптуры воплощающей Воздержание, которая выполнена Джованни Пизано для кафедры пизанского монастыря. Пизанский полиптих – исключительное точно датированное произведение художника; дата всех прочих его работ приблизительна. Но уже в данной картине Мазаччо смело берется за решение проблемы пространственной глубины и композиции, проработки человеческого тела. Мазаччо, верней всего, первым воспроизводит обнаженное человеческое туловище в живописи.

Ученые считают, что инновации Мазаччо влияли на творчество Мазолино, который, вне сомнения, принадлежал к огромным мастерам первой половины Xv века. По одному красивому сообщению, в работе показан "небольшой Геракл", тем самым пролеживается связь творчества Мазаччо с античными образцами.

Солидная фреска Мазаччо сочетает три случая легенды: в центре несколько ошеломленный монтажер подати обращается к стоящим солидным полумесяцем апостолам; с левой стороны, на втором плане Петр потрошит уже изловленную рыбу, с правой стороны он же торжественно и несколько жестоко предоставляет монету монтажеру. Его сохранившиеся 11 частей получалось выявить в различных музеях и в частных коллекциях.

Художник очень старательно планировал перспективу своих фресок, об этом говорят иные в штукатурке отверстия от гвоздей, при поддержке, которых Мазаччо нахлобучивал нити, точно указывающие направление линий перспективы.

Среди массы религиозных картин, фресок и подписей, также популярны и три потерта Мазаччо. Мазаччо выстроил фигуры героев вдоль горизонтальной линии, но группа апостолов в центре создает явный полукруг. Смелость и дерзостность, наблюдаемые в привычке письма Мазаччо, с неповторимой силой демонстрируют его росписи.

В самом деле, в своих первых работах Мазаччо совершенно противоположен Мазолино. В 1428 году Мазаччо был позван в Рим, где в скором времени он пропал.

Наибольшая композиция Мазаччо "Чудо со статиром" размещается в верхнем регистре левой стены церкви. Преподавателями Мазаччо в его ранний срок были не живописцы поздней готики (несмотря на то что почти все самые стильные мастера "межнациональной готики" - Старнина либо великий Джентиле да Фабриано - работали именно во Флоренции между 1422 и 1426), а два крупнейших представителя тосканского Ренессанса в архитектуре и скульптуре - Брунеллески и Донателло.

Между тем никто не умел так наблюдать и так проникнуть взором в окружающий мир, как Мазаччо. Одна из самых любопытных черт художественного развития Мазаччо состоит в том, что оно было совершенно свободно от действия антиков. О Мазаччо известно нисколько не много. Красноречивее всего о художнике говорят его личные картины. а некоторые данные о нём сохранились в знаменитых "Жизнеописаниях художников" Джорджо Вазари. Известно, что художник был несколько далёк от приземленной повседневности. Живописца не особенно занимали бытовые вещи. Чаще всего его даже обвиняли в лишней несобранности, неаккуратности и невнимательности.

Все герои картин Мазаччо одарены бесстрашием, героизмом.

Он изменил живопись, отрекшись от прекрасной готики и сконцентрировавшись на присвоении своим фигурам ощущения веса и объема в согласованном трехмерном пространстве.

Одна из сестёр Мазаччо потом вышла замуж за художника Мариотто ди Кристофано.

О том, кто был учителем Мазаччо, фактических данных нет.

Но в этих композициях выражается мощь художественного характера Мазаччо, удивляет необычность его решений.

Центральной деятельностью Мазаччо, ставшей этапной для истории итальянского Возрождения, являются росписи не очень большой капеллы Бранкаччи флорентинской церкви Санта Мария дель Кармине (ок. 1425 - 1428). Работа над фресками была поручена Мазаччо и Мазолино. Но доля подписей Мазаччо более значительна: ему принадлежат две внушительные, которые расположены знакомый над другом в два регистра композиции на левой стене и три из четырёх, также расположенных в два регистра, композиции на стене алтаря. Росписи капеллы Бранкаччи приурочены к истории апостола Петра.

Эль Греко


В 1579 году, достигнув наконец заказа от Эскориала, мастер создал картину "Видение Филиппа II" - первую из большого количества тайн, определённых живописью Эль Греко.

Многие замечают черты портретного соответствия Павла с самим Эль Греко. Возможно, это и так. Хотя в чувственной характеристике Петра также можно узреть близость автору, но не во внешнем, а во внутреннем складе восприимчивой и тонко основанной души. Пожалуй, оба апостола очень личностно воспринимались живописцем. Вообще тема апостолов идёт сквозь всю его жизнь, в заключительные свои собственные годы он пропишет целый апостольский цикл.

Пик искусства Эль Греко настал в Испании, куда он направился в 1577 г. Не получив признания при дворе в Мадриде, он располагается в Толедо, где в ближайшее время обретает заказ на строительство главного алтаря в монастыре Санто-доминго Эль Антигуо.

Буква Греко родился в 1541 году в Кандии, значимом городе острова Остров, одного из центров византийской культуры, познавшего затем владычество арабов, а с 1211 года вошедшего в состав Венецианской республики. Эль Греко работал очень энергично, создавая громадные алтарные образы, гигантское количество изображений святых и прекрасные портреты. Он был известным живописцем в Толедо, и у него не было отбоя от покупателей. На скосе лет Эль Греко подводит результат собственным креативным поискам, своему пониманию мира. Первые, которые получены Эль Греко в Толедо заказы преодолевают нормы классической традиции. Весной 1577 года Доменико Теотокопули, предпринял странствие в Испанию, где поздней получил имя Эль Греко (свои собственные картины он все время подписывал греческим именем).

В возрасте 26 лет, Эль Греко отправился в Венецию, где продолжал обучение в мастерской Тициана. Тут на него большое влияние оказали работы итальянских маньеристов, однако всё-таки, невзирая на это, он сформировал свой, удивительный почерк и манеру изображения. Город, в, котором обосновался Эль Греко, – Толедо.

Эль Греко страстно любил сына и писал его при всякой возможности. Он сознал его своим собственным малышом с момента его рождения, и Хорхе Мануэль носил его фамилию. Варианты выразительности подчас доведены профессионалом до крайности их выполнения, преимущественно в зрелищах, связанных с тематикой религиозного экстаза. В 1576 Эль Греко отправился в Испанию на работу королю Филиппу II Испанскому.

Для работ Эль Греко присущи быстрота и несдержанность исполнения, приближающим их к современной живописи.

Основной повод творчества Эль Греко - духовные картины, созданные для церквей, монастырей, лазаретов Толедо, Мадрида и других городов.




Тинторетто

Перуджино

Ян ван гойен

Борис кустодиев

Сандро боттичелли

Хокусай

Василий перов

Рафаэль